Exceso de aliño

[ por: Luis Felipe Zúñiga ]

Nicolas Cage, como su apellido lo amerita, encierra un talento innato: persigue la justicia hasta que la encuentra. Lástima que tengamos que ser testigos de esta búsqueda, que acumula desde convictos de alto riesgo hasta profesores ramplones como el que encarna en esta cinta de Roger Donaldson, próxima a estrenarse en EEUU pero disponible desde hace unos días en circuitos clandestinos. El resultado es un producto chato por donde se lo mire, sobre todo en el personaje de Cage, un “sólo contra el mundo” que apesta, un justiciero que desde hace años ladea la balanza hacia su bolsillo a costa de un grupo de espectadores que lo vieron crecer cuando brillaba por su desequilibrio.

Una de colección

Exceso de aliño: Fondo de Pantalla

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Y llegó el capítulo final de la 3ª temporada de “El mundo sin Brando”. Siguiendo la tradición del programa, Daly y Ortega invitan al investigador y profesor de la U. de Chile, Carlos Ossa, para debatir de un clásico del cine chileno de todos los tiempos: “Largo Viaje” (1967), de Patricio Kaulen.

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Una relación compleja

[ por: Víctor Hugo Ortega ]

Para nadie es un misterio que el gran público tiene un prejuicio con el cine chileno. Un prejuicio que se puede constatar en notas de prensa, en foros virtuales e incluso asistiendo a una sala de cine de un centro comercial, en donde las voces avanzan rápido portando una mirada negativa a las películas chilenas.

Mirando en retrospectiva la actividad cinematográfica en Chile, en la primera década del siglo XXI (2000-2009), asoma como un cuestionamiento latente el tema de los gustos y búsquedas del público en el cine chileno. Aún cuando por momentos ha habido películas que han concitado la atención de los espectadores nacionales, no se ha generado una sistematización en los números que respalden la relación entre las producciones locales y su público.

Si bien el año 2011 entregó una variedad entusiasta en cuanto a los títulos que se estrenaron y, al mismo tiempo, trajo consigo un aumento considerable de chilenos a las salas, no se podría vislumbrar que la segunda década del nuevo siglo (2011-2019) se mantendrá con esta base. Principalmente porque la historia reciente de los vínculos entre el cine chileno y su público, es sumamente variable y poco regular. Las estadísticas arrojan una serie de inquietudes, algunas de ellas sin respuesta, que entregan información sobre las dificultades que tienen los realizadores a la hora de salir a las salas con sus películas.

Tal como sucede en otros países de América Latina, las salas de cine están invadidas por los estrenos provenientes de los Estados Unidos, lo que, por supuesto, no es ningún misterio y es más que esperable. La cultura universal que se ha generado desde Hollywood hacia el resto del mundo, a través de la magnificencia de sus producciones y de la seducción que generan en el público las estrellas cinematográficas, adornadas por el merchandising de turno, hacen que los espectadores opten por estas propuestas casi de manera natural. Ahora, lo llamativo de esta situación, es que por más que en los últimos años los chilenos asistan en mayor cantidad a las salas de cine, esto no va de la mano con una mayor concurrencia a ver películas nacionales. Según el reporte estadístico del pasado mes de diciembre, del Departamento de Estudios del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, la asistencia al cine en Chile aumentó de 11.455.550 espectadores en el año 2007, a 14.442.596 en 2009. Sin embargo, los chilenos que asistieron a las salas para ver cine nacional, fueron en baja entre el año 2007 y el año 2009. La cifras son claras y se pueden leer con cierto pesimismo a la hora de establecer la pregunta de rigor, ¿por qué el público chileno va más al cine, pero no a ver cine chileno?

Para nadie es un misterio que el gran público tiene un prejuicio con el cine chileno. Un prejuicio que se puede constatar en notas de prensa, hoy por hoy en foros virtuales e incluso en la experiencia de asistir a una sala de cine de un centro comercial, en donde las voces avanzan rápido, en pos de una mirada negativa a las películas chilenas. Una idea que se exponía lúcidamente en la introducción del libro “Huérfanos y Perdidos: El Cine Chileno de la Transición”. Sus autores manifestaban que la falta de humor era una de las causas de la poca efervescencia del público con el cine nacional. “Cuando se pregunta a personas no especializadas por las películas chilenas, es usual que, después del respingo, dejen caer los calificativos “densas”, “pesadas”, “graves”. Se trata de reacciones prejuiciosas, por cierto, que explican por qué estas cintas tienen tan débiles arranques de taquilla” [1]. Esta referencia se instala en un momento especial del cine chileno, el año 1999, en donde el análisis de los investigadores, apunta a comprender las claves de nuestra cinematografía en la vuelta a la democracia.

Justamente en esta época, en el cierre del siglo pasado, se estrenaba una cinta que venía a romper esa suerte de desajuste entre la audiencia local y la gran pantalla. Una “película hito”, que se instalaba como respuesta a las necesidades culturales y sociales de un público lúdico que quedaría en evidencia. El Chacotero Sentimental(Cristián Galaz; 1999) y sus 813.228[2] espectadores, provocaban una discusión a nivel nacional, sobre la sexualidad de los chilenos. Misma discusión que venía provocando años antes el programa radial del mismo nombre, conducido por Roberto Artiagoitía, (“El Rumpy”), que se convirtió en un éxito masivo y dio paso a una de las películas más exitosas de la historia. Me refiero a ella como “película hito” precisamente por eso, por instalarse en una contingencia propicia de acuerdo al tema que explora, por generar un lazo férreo con el público, incluso antes del día de su estreno.

Ya anteriormente, en el año 1993, había existido otro filme que podría entrar en esta categoría. Johnny 100 Pesos, de Gustavo Graef-Marino, tomaba un acontecimiento ocurrido en el centro de Santiago en 1990. Un asalto con rehenes que generó alto impacto en el Chile post-dictadura y que causó expectación en el público. La cinta pasaría a ser una de las más taquilleras durante la primera mitad de la década de los noventa.

Los casos referenciados tienen una lectura particular e interesante, en cuanto a las preferencias del público. Los chilenos se acercan al cine en masa, cuando van a ver algo más que una película. Asisten a constatar hechos y/o fenómenos sociales de los que no quieren quedar fuera. A veces dados por la televisión, como soporte masivo y ambiguo que arrastra éxitos desde un polo hacia otro.

Johnny Cien Pesos

Más allá de un análisis a la calidad y objetivos que tienen entre sí, habría que mencionar en este contexto las cintas: Che Kopete, la película (León Errázuriz; 2007) con 220.721 espectadores, Rojo: la película (Nicolás Acuña; 2005) con 175.804 espectadores y 31 minutos, la película (Pedro Peirano y Alvaro Díaz; 2008) con 218.376 espectadores. Instaladas con propiedad en los ránkings de películas chilenas más vistas de la primera década del 2000, estos 3 filmes provenientes de la televisión, ven desde lejos a los títulos más exitosos de nuestra historia cinematográfica, que claramente están asociados a impactos sociales que sobrepasan los alcances de la pantalla grande. Uno de ellos,Machuca (Andrés Wood; 2004), la película más vista de su año, con 648.360 espectadores, venía a ser la respuesta desde la ficción al golpe de Estado de 1973, provocando una serie de reacciones a nivel nacional. Desde abucheos e intentos de peleas en las mismas salas de cine en las cuales se proyectaba, hasta el insólito caso de la administradora del único cine de la ciudad de Osorno, quien se negó a exhibirla, argumentando que ésta era poco comercial y politizada; y que podía influir en el ambiente electoral de la época [3]. Machuca, la película que exponía el acontecimiento más relevante de la historia chilena contemporánea, se transformaba, al mismo tiempo, en un acontecimiento cinematográfico.

Otro caso importante es el de Sexo con Amor (Boris Quercia; 2003), que figura hasta hoy como la película más vista en la historia del cine chileno, con 978.759 espectadores. Si bien no está basada en un acontecimiento histórico ni contingente, ni tampoco viene desde la televisión (más allá que sus protagonistas sean rostros televisivos), la cinta se transforma a las pocas semanas en un fenómeno en sí. Un fenómeno que aborda el tema sexo en Chile, en diversas capas sociales. Se exponen las conductas de una serie de personajes que se interrelacionan, al modo de las llamadas películas corales, a través de un ingenioso eje central, dado por los apoderados de un colegio.

Sexo con Amor

El público chileno ya había demostrado con su asistencia masiva a El Chacotero Sentimental, que el sexo era un tema de interés nacional. Por otra parte, el vertiginoso boca a boca generó que la película se transformara en un hito, en su misma construcción creativa y en sus consecuencias en el espectador, originadas por su tono cómico y jocoso. Un ejemplo de esto, son aquellas escenas de la cinta que hoy son parte de la cultura popular chilena y que están repartidas por fragmentos en el portal de videos Youtube, con miles de reproducciones; y en donde los usuarios discuten y celebran sus secuencias. A esto habría que sumar una banda sonora explosiva, creada por el grupo liderado por Alvaro Henríquez, Los Petinellis, que se transformó en un hit radial, a pocos días de haberse estrenado. 32 semanas en cartelera y visionados todos los años en televisión en horario estelar, la han erigido en una película hito, que hasta hoy posee una marca insuperable.

Cercana temporalmente a las dos anteriores, no se puede obviar a Taxi para Tres, de Orlando Lübbert. Estrenada en agosto del año 2001, la cinta aprovecharía el frenesí mediático dado por el premio más alto obtenido por una película chilena en el extranjero, la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, España. Este reconocimiento reforzaría la confianza del público en una cinta de guión sólido, que muestra con atino a un Chile fisurado en sus clases sociales. El resultado: 339.126 personas en las salas.

Taxi para Tres

El cine chileno establece marcas a lo lejos y cada un par de años. Sus balances grafican que la idea de convertir la asistencia al cine a ver imágenes propias, en un ritual cultural, es tremendamente compleja. Y el principal aliciente de este objetivo debiese ser la sistematización del concepto de formación de audiencias, que por lo visto no ha sido suficiente hasta ahora.

La generación de una cultura cinematográfica es fundamental a la hora de educar a un espectador ávido y activo de ver películas, de modo que tenga herramientas para crear una necesidad de acercarse a ver producciones nacionales. Y no hablo de una mecanización o ampliación del gusto o interés, sino concretamente de solventar una necesidad. De comprender que la asistencia a ver una película chilena, puede tener intenciones que van más allá de la película misma. La insistencia y enfatización en estos conceptos provocarían a lo menos el cuestionamiento de las realidades expuestas por las cintas nacionales, que pondrían en duda el antes mencionado prejuicio del espectador chileno con su cine. Una muestra de esto es lo que suele acontecer con películas chilenas que tienen éxito en festivales extranjeros y que al momento de estrenarse en nuestro país, no satisfacen las expectativas dadas por los antecedentes previos. Tony Manero (Pablo Larraín; 2008) se estrenó en Chile, precedida por grandes loas en el Festival de Cannes y en la prensa europea. Muchos espectadores nacionales que se acercaron con entusiasmo a verla en el cine, no quedaron conformes. Los comentarios iban desde la mención a un final “fome”, hasta una cámara que se movía demasiado. El objetivo de un plan de formación de audiencias, radica en que el gran público se acerque al cine chileno con tolerancia, a enfrentarse con películas que posean una narrativa distinta, a la de las cintas que se estrenan semana a semana en cartelera.

Tony Manero

El año 2010 fue desalentador para el cine chileno [4]. Sólo 351.243 personas asistieron a las salas a ver películas nacionales. El hito cinematográfico de ese año fue probablemente también el hito social de Chile en 2010, la clasificación de la selección nacional de fútbol al Mundial de Sudáfrica. Ojos Rojos, el documental dirigido por Juan Ignacio Sabatini, Juan Pablo Sallato e Ismael Larraín, logró llevar 119.037 espectadores [5] a las salas, algo curioso para una película de no ficción. El proceso clasificatorio de la selección chilena, que mostraba el cierre de un etapa de nuestro fútbol y el inicio de otra, tenía en la figura de Marcelo Bielsa y sus dirigidos, un hito difícil de encasillar. La popularidad del entrenador argentino, anexada a la construcción de una película que mostrara el éxito de un proceso deportivo, pero desde una visión más cercana, generó un escenario inédito en la historia del cine chileno. Este documental sería seguido por la película Qué pena tu vida, de Nicolás López, que llevó 94.044 espectadores a las salas. La cinta vendría a ser la excepción de lo que se plantea en este artículo. Estamos en presencia de una película que no reproduce un hito importante, sino más bien una historia común y corriente de un quiebre amoroso y posterior debacle de su protagonista. La propuesta está astutamente conectada a la cultura tecnológica en su forma y contenido, convirtiéndose en una película que, independiente de sus méritos artísticos, le dio una frescura inusitada a los estrenos nacionales. A través de una narrativa basada en elementos provenientes de Internet, con los cuales desarrolla una historia austera y funcional, el filme logró conectarse con un público joven, arraigado en la cultura digital, que seguramente no había encontrado una película que lo representara en el cine chileno. La cinta le sacaría provecho a Internet, incluso en su etapa previa al estreno, difundiéndose de manera eficaz en el gran público, mediante certeras campañas de marketing en Facebook, Twitter y Youtube.

Que Pena tu Vida

Así es como Qué pena tu vida podría ser catalogada como una película generacional de la llamada cultura web, que en un país como Chile, encantado de las redes sociales, podría abrir nuevas posibilidades en la relación entre el cine chileno y su público. De hecho, López, no esperó mucho tiempo para hacer una secuela, titulada Qué pena tu boda, estrenada en 2011. Sostenida nuevamente en una difusión previa a través de las redes sociales, la película fue la segunda más vista del año con 206.266 espectadores, tras la película hito del 2011, que a su vez fue la más taquillera. Me refiero a Violeta se fue a los cielos, de Andrés Wood, que mantiene intacta la idea de que el público adhiere a los grandes acontecimientos. En este caso, una biografía de Violeta Parra, ícono musical y cultural de la historia chilena, que arrastró 391.465 espectadores y mejoró los números del cine chileno en el año 2011, en relación a la temporada anterior.

Las inquietudes persisten en lo que pasará en esta segunda década del nuevo siglo, que tuvo un buen primer año en variedad temática y en números. La pregunta que aparece de inmediato en este momento de la reflexión sobre la cinematografía nacional es, ¿hasta qué punto el cine chileno deberá depender de hitos para generar películas que atraigan la atención de los espectadores? La respuesta es incierta. En 2011, fue aún mayoritario el público asistente al cine en Chile, superando los números entregados por el reporte estadístico antes mencionado. De los 14.442.596 espectadores del año 2009, pasaron a ser 16.946.240 en 2011.

La formación de audiencias, insisto, debiese ser el camino para que ese número que aumenta de espectadores de cine, sea también un número ascendente en cuanto al cine chileno. En la medida en que crezcan las competencias de nuestros espectadores, crecerá el interés y la intriga por ver películas que no necesariamente representen grandes hitos. Y no lo digo como una crítica a las películas hitos que he referenciado a lo largo de este artículo, sino más bien como temor al espejismo que representan ellas, en los balances históricos del cine nacional.

Este 2012 será probablemente un año en que tendremos otro gran hito que marcará un precedente en la historia del cine chileno. Stefan v/s Kramer, la película dirigida por Eduardo Flores, protagonizada por el cómico e imitador Stefan Kramer, (convertido a estas alturas en un ícono de la cultura nacional), tiene todos las características de una cinta que se prevé, atraerá a los espectadores chilenos en masa a las salas.

Stefan v/s Kramer

Víctor Hugo Ortega es Periodista. Es Diplomado en Cine de la Universidad Católica y tiene estudios de posgrado en Teoría e Historia del Arte, de la Universidad de Chile. Es Creador y Profesor del Diplomado en Cine y Cultura Latinoamericana de la U. de Chile. Conductor y Editor Periodístico del programa radial “El mundo sin Brando“.

Notas

[1] CAVALLO, Ascanio; RODRÍGUEZ, Cecilia; DOUZET, Pablo. Huérfanos y perdidos: El cine chileno de la transición. Santiago. Grijalbo, 1999. P. 26.

[2] Ésta y otras cifras de espectadores mencionadas a lo largo del artículo están extraídas del estudio “Oferta y Consumo de Cine en Chile 1998-2008, realizado por Blanca Ochoa, Sergio Salinas, Alex Doll y Luis Horta, con el financiamiento del Consejo del Arte y la Industria Audiovisual del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes del Gobierno de Chile.

[3] Este hecho se ocasionó en agosto del año 2004. La administradora de la multisala Showtime de Osorno, prohibió la exhibición de la película, razón por la cual tuvo que renunciar. Más información en el portal del diario La Cuarta: http://www.lacuarta.cl/diario/2004/08/07/07.17.4a.ESP.MACHUCA.html y en el portal de Radio Cooperativa: http://www.cooperativa.cl/administradora-de-cine-osornino-debio-renunciar-por-cuestionar-machuca/prontus_nots/2004-08-09/153019.html

[4] Los datos que se exponen desde esta parte del artículo, están extraídos de una nota de prensa publicada por el periodista Jorge Letelier en el diario La Tercera, titulada: “Cine Chileno del 2011, el año de la recuperación pero las dudas persisten”. Esta nota fue publicada el 29 de diciembre del año 2011.

[5] Esta cifra y la de la película Qué pena tu vida han sido extraídas del artículo de la periodista Gabriela González, publicado en la Enciclopedia Virtual CineChile.cl, titulado “2010, un año difícil para el cine chileno”.

 

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[ por: Luis Felipe Zúñiga ]

El último thriller de David Fincher no deja una huella indeleble como sus trabajos anteriores. Es más, la película es tan fácil de desprender de la memoria fílmica como si se tratara de un adhesivo tipo tatuaje de esos que vienen enrollados con el papel de alguna baratija para mascar.

La trama macabra está, los personajes sórdidos sobrevuelan el relato, el montaje hipertenso no deja respiro. Sin embargo, falta una pieza, el frecuente eslabón perdido anhelado en las historias armadas por este artesano de la criminalística para cine. La cinta deja escuchar su latido pero el motor nunca se asoma. ¿Qué quiere Mikael Blomkvist (Daniel Craig)? El tipo tendrá pinta de escandinavo pero ni así logra evadir la estampa marcada por la saga Bond.

Quizá el punto alto de La Chica del Dragón Tatuado está en esta misma, una sorprendente Rooney Mara imbuida en la piel de la raquítica hacker Lisbeth Salander, quien acerca la historia hacia las tierras frías donde fue originada. Ella es racional, un témpano calculador, es el hombre que no ama a las mujeres, el último escalafón de ser humano desprendido desde las autopistas del desarrollo. Salander corre veloz sobre su moto, escapa del contacto con sus pares, es un paria del siglo XXI. Huele a Zuckerberg, pero esa es harina de otro costal.

Por ahora me quedo con que la culpa no fue de Fincher, fue de los misóginos que no aman a las películas. El Hollywood de este Millenium.

En salas desde ayer, y también, donde todos saben.

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Hoy se inicia Festival Internacional de Cine y Moda

Los días 24, 25, 26 y 27 de enero CaixaForum Barcelona acoge la primera edición en España de ASVOFF, el festival internacional de cine y moda creado en 2008 por Diane Pernet y que desde entonces se celebra en París y en otras grandes ciudades de la cultura, el cine y la moda como Nueva York, Londres, Milán, Tokio, México y Cannes. Durante cuatro días, ASVOFF Barcelona convertirá la ciudad condal en el epicentro internacional del mejor cine de moda producido tanto por profesionales del sector como por estudiantes ya que presentará una selección de los más de 300 cortometrajes de los cinco continentes que han participado en las competiciones OFICIAL, ESTUDIANTES y MÓVIL del festival. Éstas dos últimas son una novedad de la edición de Barcelona y han superado notablemente la previsión de participación con casi 100 cortos más. El programa del festival también incluye proyecciones de films, algunos de ellos inéditos, mesas redondas y conferencias a cargo de destacadas personalidades nacionales e internacionales del mundo del cine, la moda, el arte y la cultura, así como la presentación de “Narraciones”, un proyecto Carte Blanche comisariado por Charo Mora que recorre visualmente algunos de los trabajos más relevantes que se han hecho en cine de moda en España. Los ganadores de ASVOFF Barcelona, que cuenta con la colaboración del Ajuntament de Barcelona y la Obra Social “la Caixa”, se darán a conocer el 25 de enero durante la ceremonia de entrega de premios.

Tradicionalmente, la moda se ha asociado a la imagen estática: la fotografía.

Los mejores fotógrafos del mundo han participado en desfiles, campañas promocionales y anuncios; sin embargo, se le ha dado poca importancia a la imagen en movimiento, al cine, a pesar de que se han creado grandes campañas y que es un medio que admite muchas posibilidades. Con este objetivo, Diane Pernet creó en 2008 el festival A Shaded View on Fashion Film, un festival dedicado por entero al cine y la moda, inspirado en su propio blog, A Shaded View on Fashion, en el que esta gurú de la moda, crítica y fotógrafa expone sus documentales y descubre nuevos talentos. El festival anual, de carácter itinerante, se celebra en París y otras ciudades vinculadas a la moda y la creación a las que ahora se suma Barcelona.

Del 24 al 27 de enero, CaixaForum Barcelona acogerá la primera edición en España de ASVOFF, que llega a Barcelona con el espíritu de convertirse en una cita anual en la que presentar el mejor cine de moda a nivel internacional al mismo tiempo que convertirse en una plataforma de promoción y proyección para jóvenes talentos. De este modo, el festival cuenta como novedades con dos nuevas secciones, una competición abierta a estudiantes del todo el mundo a la que se han presentado más de 60 cortos procedentes de 24 escuelas internacionales, como l’Institute Français de la Mode (París), Saint Martins (Londres) , Vantan Design University (Tokio) o la Parsons The New School of Design (New York), y 14 escuelas nacionales, entre ellas, IED Madrid y Barcelona, Elisava, Esdi y la Universidad Politécnica de Valencia. Y la sección de cortometrajes realizados con móvil, que cuenta con el apoyo del Ajuntament de Barcelona y San Miguel, y en la que han participado 150 trabajos de todo el mundo.

Asimismo, ASVOFF Barcelona incluye la tradicional sección OFICIAL, que tiene como objetivo apoyar y dar a conocer el trabajo de profesionales del sector que apuestan por los fashion films como soporte creativo.

Diane Pernet por Benjamin Seroussi

Diane Pernet, gurú y pionera

Diane Pernet es una reconocida crítica de moda, directora de cine y periodista afincada en París que se dio a conocer como fotógrafa y diseñadora de éxito en el Nueva York de los años 80. Considerada una gurú de la moda, en la actualidad divide su tiempo entre la producción de documentales, la búsqueda de nuevos talentos y el desarrollo de su blog,  A SHADED VIEW ON FASHION (www.asvof.com), uno de los blogs de moda con mayor influencia del momento. Aunque su pasión se encuentra detrás de la cámara, Diane ha realizado diversas colaboraciones y cameos en películas como ‘Prêt-à-Porter’ de Robert Altmand o ‘The Ninth Gate’ de Roman Polanski.

En 2008, en paralelo a sus colaboraciones en revistas de moda y tendencias de referencia como Joyce, Elle o Vogue y sus múltiples aportaciones a través de su blog, Diane Pernet lanzó ASVOFF, el primer festival internacional que aúna cine y moda. Por su capacidad para detectar la fuerza de un nuevo género en auge y su esfuerzo por su promoción y difusión entre el gran público, Diane está considerada como una de las figuras clave del cine y la moda así como la responsable de la creación de una verdadera plataforma de lanzamiento para nuevos creadores que han encontrado en ASVOFF un escenario en el que darse a conocer a nivel internacional.

Fuente: ASVOFF Barcelona

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Cine+Arquitectura+Ilustración

Volvimos de unas merecidas vacaciones en 35milímetros ¡con toneladas de artículos que publicar! y entre todo ello, que mejor que la primera notable entrada de un conjunto de productos audiovisuales creados por ARQFILMFEST. El primer festival de Cine y Arquitectura en Latinoamérica, con sede en Chile, nos trae “ARQFILMFEST Presenta:” una serie de entrevistas originales, que meditan sobre los vínculos entre el cine, la arquitectura y otras artes, y que irán apareciendo durante todo este año 2012, hasta el día de su esperada inauguración en Octubre.

Los dejo con la primera entrega, con Edición+Cámara de Martin Nuñez y música de Ottavio Berbakow estrenada hace pocos días en su sitio oficial.

“Gonzalo Martínez, Arquitecto de profesión, dedicado hace más de diez años a la ilustración, con publicaciones nacionales e internacionales que buscan rescatar permanentemente la memoria de la historieta chilena. Entre sus creaciones destacan su tira “Horacio y el profesor” y la novela gráfica “Quique Hache Detective”, entre muchas otras. Formó además el colectivo “Ergonomic”, y la “Asociación de Narración Gráfica e Ilustración, NGI”.

• ARQFILMFEST PRESENTA ©2012
• Edición+Cámara: Martin Nuñez
• Musica: Ottavio Berbakow
• Produce: AFFS

Recuerden que la competencia del Festival ya está abierta y pueden enviar sus cortometrajes a LA CIUDAD ES…

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Análisis de los modos de representación encontrados en documentales de la banda The Rolling Stones

[ por: Juan Pablo Labra ] 

INTRODUCCION

Los orígenes del documental se remontan a las primeras películas de la historia del cine: los cortos realizados por los hermanos Lumière, en las que se aprecia la aproximación documental hacia la realidad existente (recordemos sus postales de la vida cotidiana: obreros saliendo de la fábrica, familias compartiendo en la mesa, niños jugando), en vez de la representación de un mundo ficticio (pensemos en los hombres que Méliès hace viajar a la luna).

Así, nos podríamos inicialmente sentir tentados de trazar una línea divisoria gruesa entre lo documental como la representación de la realidad, y la ficción en sus diversos géneros (melodrama, ciencia ficción, aventuras, comedia, etc), sin embargo, al observar más de cerca apreciamos que los documentales utilizan técnicas propias de la ficción tales como el manejo de un guión, la puesta en escena o el uso de actores, y que las películas de ficción introducen algunas técnicas familiares para el documental, como el uso de cámara en mano, no actores e improvisación (pensemos en Shadows (1959) de Cassavettes).

Bill Nichols clasificó las maneras en que se representan en el documental los asuntos y acciones, proponiendo en su libro de 1991, Representing reality[1], cuatro modos de representación documental:

a)     Expositiva, es el modo que asociamos más frecuentemente a un documental, enfatiza el comentario verbal y la lógica de la argumentación utilizando a menudo un narrador en off: “la voz de Dios”. La utilización de testimonios y materiales de archivo, cohesionados bajo la voz del narrador se utiliza para dar mayor efectividad a la argumentación, como es el caso del documental The times of Harvey Milk (1984). En ocasiones, el narrador aparece en pantalla siendo “la voz de la autoridad en la materia”, por ejemplo, John Berger en su serie de documentales Ways of seeing (1972).

b)     De observación, intenta capturar de la forma más precisa posible una realidad objetiva con el realizador adoptando una mirada neutra, tal como si fuera una mosca en la pared que observa lo que ocurre. Por ejemplo, el seguimiento de la gira de Bob Dylan a Inglaterra en 1965, Dont look back (1967) dirigido por D.A. Pennebacker. Otro autor clave de este modalidad es Frederick Wiseman, que destacó con documentales de observación como Titicut follies (1967) o Hospital (1970), en los cuales presentó la realidad de la atención de pacientes en instituciones de salud mental, y pacientes de la sala de urgencias, respectivamente.

c)     Interactiva, a diferencia del modo observacional, el modo interactivo o participativo presenta un encuentro directo entre el realizador y sus sujetos, el realizador se hace parte de los eventos que se registran formulando preguntas a sus sujetos, y compartiendo sus experiencias con ellos. Depende fuertemente de la honestidad de los testigos. Una variante de esta modalidad es la del falso monologo, en la que los testimonios son organizados de tal manera que pareciera que el entrevistado no está contestando un cuestionario, omitiendo las preguntas del entrevistador. Un ejemplo de esta última técnica es Mr. Death (1999) de Errol Morris.

d)    Reflexiva, demuestra conciencia sobre el proceso de construir un documental, y se involucra activamente con las problemáticas de realismo y representación, reconociendo la presencia del espectador y las modalidades de juicio a las que llega. Su discurso plantea que  no necesariamente “la” verdad, sino “una” verdad. Una convención utilizada es presentar el artíficio de la construcción del documental: se presenta edición, grabación del sonido. Un ejemplo de esta modalidad es El hombre de la cámara (1929) de Dziga Vertov.

En su trabajo posterior del 2001, Introduction to documentary, Nichols agregó dos categorías adicionales:

e)     Poética, se aleja de la realidad “objetiva” de una situación dada para presentar una verdad interna, subjetiva, una expresión artística sujeta a la manipulación poética. Así, se enfatizan asociaciones visuales, tonales y rítmicas, los pasajes descriptivos y la organización formal favorecen la presentación de un estado de ánimo, tonalidades y texturas. Como ejemplo de esta modalidad se encuentra “Rain” (1929), de Joris Ivens, un documental que presenta de manera poética las calles de Amsterdam mojadas por la lluvia.

f)     Performativa, o el director como personaje, reconoce los aspectos emocionales y subjetivos del documental, y presenta ideas como parte de su contexto, reconoce la lectura subjetiva de la audiencia, como la posibilidad de tener diferentes significados para diferentes personas. La noción de objetividad es reemplazada por evocación y afecto, a menudo es autobiográfico en su naturaleza. Como convención este modo enfatiza los impactos emocionales y sociales en la audiencia. Como ejemplos, podemos contar trabajos como Remitente: una carta visual (2008) de Tiziana Panizza, y como ejemplo de director como personaje, los trabajos de Michael Moore: Bowling for Columbine (2002), Capitalism: a love story (2010), o Morgan Spurlock: Super size me (2004), The greatest movie ever sold (2011).

A pesar que es posible asociar algunos modos documentales con épocas históricas en las que nacieron o han sido predominantes, se considera que los modos documentales han coexistido, y a menudo es posible encontrar dos o más modos documentales coexistiendo en la misma obra.

En este ensayo analizaremos cinco documentales realizados en torno a la banda musical The Rolling Stones, en dos etapas de su carrera: 1968 – 1972, y cuarenta años después: 2008 – 2010.  Los documentales son: Sympathy for the devil (1968), dirigido por Jean Luc Godard; Gimme shelter (1970), dirigido por los hermanos Maysles; Cocksucker blues (1972) dirigido por Robert Frank; Shine a light (2008), dirigido por Martin Scorsese y Stones in exile (2010),  dirigido por Stephen Hijack. El objetivo es analizar estos cinco trabajos a la luz de los modos de representación documental propuestos por Bill Nichols. Por la importancia que tiene para el género documental musical, cabe ampliar nuestra descripción sobre el modo de representación de observación.

Créditos: Sympathy for the Devil

EL MODO DE OBSERVACION

A medida que la tecnología avanzaba en los años 60’s las cámaras empezaron a ser más ligeras y pequeñas, con la capacidad de trabajar con luz natural y de una manera menos intrusiva, dejando que las acciones se desenvolvieran libremente y a los documentalistas con la posibilidad de registrar sin intervenir. El realizador permanece oculto detrás de la cámara, ignorado por el entorno. Frederick Wiseman se refiere al proceso de creación de un documental de observación, y al descarte de materiales necesario para llegar a su versión final:

“For me, the making of a documentary film is in some ways the reverse of making a fiction film. With fiction, the idea for the film is transformed into a script by the imagination and work of the writer and/or director, which obviously precedes the shooting of the film. In my documentaries the reverse is true: the film is finished when, after editing, I have found its “script”. If a film of mine works, it does so because the verbal and pictorial elements have been fused into a dramatic structure. This is the result of the compression, reduction, and analysis that constitute the editing process for me. […] I generally use about three percent of the material shot.”[2]

Asociado al modo de observación, en la literatura surgen los términos direct cinema y cinema verité. De acuerdo a Barnouw en Documentary: a history of the non fiction film (2003), el término direct cinema o cine directo fue acuñado por el realizador Albert Maysles, para referirse a un documental de observación en el que se limita el involucramiento del realizador, no utilizando o utilizando muy poca narración en off, sin guión, y no realizando recreaciones. David Maysles señalaba que “directo” significaba que “no hay nada entre nosotros y el sujeto”, lo que podemos ilustrar con el plano de las manos con guantes blancos, cruzadas por la espalda, de Jacqueline Kennedy en Primary (1960), película producida por Richard Drew, fotografiada por Richard Leacock y Albert Maysles, y editada por D.A. Pennebaker. Por otro lado, el término cinema verité se reserva a los filmes que siguen la noción de Jean Rouch en Chronique d’un été (1960), en donde el realizador es un provocador o catalizador, que genera la ocurrencia de eventos mediante el uso de la cámara, tal como se observa al preguntar de improviso a personas en la calle ¿es usted feliz? Por este motivo, Barnouw y Nichols consideran al cinema verité una categoría distinta al modo observacional, clasificándolo como modo interactivo.

La pregunta clave relacionada con el modo de observación es si acaso la presencia de la cámara influye en la ocurrencia de los eventos.

Brian Jones, Keith Richards y Mick Jagger en el lente de Jean Luc Godard

SYMPATHY FOR THE DEVIL

El año 1967 Godard realiza La Chinoise, enfocada en un grupo de estudiantes activistas franceses y sus ideas políticas. A raíz de esta película fue invitado a tener encuentros con estudiantes de algunas universidades de Estados Unidos, siendo los organizadores de esta gira Richard Leacock y D.A. Pennebaker, con quienes inició en octubre de 1968 un trabajo colaborativo que vería la luz algunos años después -una vez disuelta la colaboración–, bajo el título 1 PM (One parallel movie).  Este dato nos proporciona evidencia del conocimiento que tenía Godard del trabajo de Leacock y Pennebaker, el primero productor, el segundo director de Don’t look back, el documental observacional que realizan sobre la gira de Bob Dylan a Inglaterra.

Bob Dylan en "Don't Look Back"

La película consiste en dos hilos narrativos principales y uno secundario: largas tomas sin cortes de Los Rolling Stones componiendo y grabando la canción Sympathy for the devil, en el studio Olympia de Londres, intercalado con tomas en exteriores e interiores de varias escenas: un grupo de activistas de color que recitan manifiestos revolucionarios a favor del movimiento de los Panteras Negras, una mujer llamada Eva democracia que responde sí o no a preguntas sobre la revolución,  una escena que se desarrolla en una librería que vende todo tipo de revistas y materiales de propaganda política, en la que un personaje lee en voz alta directamente desde un libro un manifiesto político, y en donde cada cliente debe hacer un saludo nazi al recibir su compra, y golpear a dos personajes en la cara estos responden con una frase revolucionaria.  A lo largo de las diversas escenas de este segundo hilo narrativo hay lecturas de voz en off de una novela política. Un tercer hilo narrativo lo componen pequeñas tomas intercaladas de una joven que realiza grafitis en diversos lugares de la ciudad: una habitación de hotel, el exterior de una tienda, la puerta de un auto, el borde de un río, entre otras locaciones, a menudo acompañadas por la voz en off que lee la novela.

Para esta película, Sympathy for the devil fue el título dado por la distribuidora, la que también modificó la parte final agregando la versión final de la canción, mientras que en su versión original, Godard solamente presentaba los avances de la canción, dejando inconclusa su completación. La versión de Godard se conoce como One + One, como la suma de los dos hilos narrativos principales: Rolling Stones y el manifiesto político.

A lo largo de la película, se hace uso extensivo de una cámara sobre un trípode con ruedas que maneja la idea del modo observacional documental: la idea de la mosca en la pared que observa sin perturbar la ocurrencia de los acontecimientos. Así, los Rolling Stones ensayan y componen su canción en el estudio y la cámara nos permite compartir la intimidad del proceso creativo. En estas escenas escuchamos el sonido ambiente del estudio, con excepción de la parte final, en la que los productores superpusieron la versión final de Sympathy for the devil, a las imágenes de Godard. Por otro lado, en las escenas de manifiesto político la cámara se desplaza como lo haría un espectador en un escenario en el que ocurre una acción de arte: una puesta en escena no necesariamente preparada para la cámara, en la que ocurren cosas simultáneas fuera de campo, y nos enteramos sólo cuando la cámara se desplaza para llegar a mostrárnoslo. Esto ocurre, por ejemplo, cuando en el cementerio de vehículos ingresan tres mujeres blancas las que son separadas y sometidas a tratamientos vejatorios en distintas partes del lugar. Nos enteramos que una de ellas ha recibido un tratamiento que la mantiene en el suelo, ensangrentada sólo cuando la cámara sigue la línea de traslado de armas y llegamos a descubrirla en la parte trasera del patio.

Sin embargo, este acercamiento al modo observacional no cumple completamente con las convenciones de este modo: el uso del narrador en off que lee la novela política, introduce un contenido que rompe la regla de no tener comentarios, y también, en las transiciones entre un hilo narrativo y otro se hace un uso libre del sonido no sincronizado. A pesar de romper con las convenciones, el uso de la cámara en modalidad documental observacional, y el uso de largas tomas ininterrumpidas, incorporan una importante noción de veracidad en esta película.

GIMME SHELTER

Gimme Shelter fue realizada por los hermanos David y Albert Maysles en 1970 y presenta la gira que realizaron los Rolling Stones por los Estados Unidos en 1969, incorporando material de un concierto en Nueva York y del desastroso concierto gratuito que realizaron en Altamont, con cuatro muertos, y que pretendía ser un eco en la costa oeste del exitoso concierto de Woodstock, con la participación de Jefferson Airplane y originalmente The Grateful Dead, entre otros artistas. El documental tiene un tratamiento propio del modo observacional, ya que la cámara acompaña a los Stones mientras se preparaba el concierto de Altamont, en donde presenciamos las negociaciones que condujeron al traslado del concierto desde las locaciones que estaban planificadas inicialmente, hasta la definición de la locación en Altamont. Por otro lado, algunas secuencias de este documental caben dentro del modo reflexivo, ya que nos presenta los mecanismos de realización del documental, específicamente la labor de edición en la moviola, ocasión en la que Mick Jagger y Charlie Watts revisan la filmación y comentan lo ocurrido. Esto se complementa con una entrevista telefónica a uno de los líderes de los Hell Angels, en las que este justifica lo ocurrido en Altamont: un espectador portaba un revólver y fue apuñalado por uno de los Hell Angels, lo que ocasionó su muerte.

El documental da cuenta mediante un tratamiento multicámara de los conciertos de Nueva York y de Altamont. No posee un narrador, y se utiliza el sonido directo de las grabaciones realizadas. Resulta muy interesante el punto de vista del material de los conciertos que vemos a cuadro completo, y luego se aprecia el material en la pantalla de la moviola, y observamos a Jagger y Watts supervisando las imágenes, y comentando sobre su veracidad. En efecto, se inserta una entrevista a Jagger en que se le pregunta si estaba satisfecho con su paso por los Estados Unidos, y luego en la sala de edición se muestra a Jagger que mientras mira su respuesta en la pantalla de la moviola comenta: “rubbish”. Este comentario es relevante desde el punto de vista del modo de representación reflexiva, ya que ofrece una apreciación subjetiva de la representación de la realidad objetiva que realiza el modo observacional. El documental también hace un uso interesante del sonido, ya que se presentan imágenes de los Rolling Stones en pantalla, en piezas de hotel o en la sala de edición, y el audio que lo acompaña es el audio del concierto de Nueva York. En esta interacción entre las imágenes del concierto, y las imágenes de Jagger revisando el material, sin duda la parte más interesante se encuentra al final del documental cuando se revisan las escenas del concierto de Altamont, y al pasar por las escenas del espectador que finalmente fue muerto, salimos del cuadro completo para pasar a la sala de edición, devolver la película y revisar en detalle lo sucedido, para lo cual se retrocede la película cuadro a cuatro, se congela la imagen, y se comenta lo ocurrido. Luego, al finalizar la sesión de trabajo, Mick Jagger se levanta de su silla y al salir de la sala de edición mira levemente la cámara reconociendo, incómodo, su presencia que había ignorado hasta ese momento. Los realizadores congelan esta imagen por algunos segundos, subrayando esta idea de la representación reflexiva.

COCKSUCKER BLUES

Cocksucker blues fue dirigido por Robert Frank y da cuenta de la visita de los Stones a Estados Unidos después de los acontecimientos de Altamont que describe Gimme shelter. Se trata de un documental que la banda desautorizó, ya que presenta imágenes crudas de los miembros de la banda y miembros de su equipo de trabajo cercano, productores y técnicos, consumiendo drogas y teniendo sexo grupal. Algunas de las imágenes más crudas presentan el proceso de preparación y consumo de heroína. La perspectiva de la cámara es observacional, y en este sentido, cabe preguntarse cuál fue el rol de la cámara para registrar estas actividades, ¿se produjeron por la presencia de la cámara?, ¿o más bien, la cámara registró como una mosca en la pared situaciones que ocurrirían de todas maneras? Nos inclinamos por esta segunda idea ya que las reseñas de este documental indican que uno de sus mecanismos de realización fue distribuir cámaras entre el círculo cercano a los Stones y se le pidió a la gente que simplemente filmasen, aspecto del cual queda evidencia en el documental, por ejemplo, en las imágenes que Jagger hace del equipo de producción. Quizás esta misma veracidad que se registra en las imágenes, o el conflicto con los Stones que prohibió su exhibición, es lo que provoca que al comienzo del documental exista la leyenda:

“Except for the musical numbers, the events depicted in this film are ficticious, no representation of actual persons and events is intended”.

Y es que si bien es cierto existen algunos números musicales en este documental, lo realmente importante es el registro de las personas y las circunstancias que los rodearon en esa época. En su forma de realización, este documental es el que más se acerca al modelo de documental de observación que propone Pennebaker en Don’t look back.

Indudablemente, este mismo valor testimonial es lo que llevó a Stephen Hijack a rescatar bastante material de Cocksucker blues, para su Stones in exile, dejando fuera obviamente todo aquello que desprestigia a los Stones.

SHINE A LIGHT

La importancia de la música para Martin Scorsese en su filmografía es evidente, y posee varios ejemplos de documentales musicales, como la filmación del concierto final de The Band en The last waltz (1978), la serie dedicada al blues, The blues (2003), el documental sobre Bob Dylan No direction home (2005). La música de los Rolling Stones también tiene un espacio privilegiado en la sonorización de sus películas, como el uso del tema Gimme shelter en la secuencia en que aparecen muertos los antiguos compañeros de pandilla de Jimmy Conway en Goodfellas (1990), por lo que es natural la afinidad de Scorsese con la banda, y su presencia como comentarista en Stones in exile (2010).

En Shine a light, Scorsese aparece en cámara dirigiendo la realización del documental. Se presenta de un modo observacional los preparativos que realiza, la selección de canciones que prepara, las entrevistas que tiene con varios miembros del equipo, y de manera paralela los preparativos que hace Mick Jagger de la lista de canciones y su incomodidad con el escenario, que atribuye a ideas de Scorsese. Corte a Scorsese que dice que él pensaba que eran cosas que Jagger quería. Uno de los conflictos que articula la primera parte del documental es el deseo de Scorsese de contar con la lista de canciones a tocar, con una semana de anticipación, y la idea de Jagger de sólo darle la lista definitiva a última hora. Otro conflicto es el deseo de Scorsese de contar con un conjunto de cámaras que le permitan registrar el concierto desde una perspectiva múltiple vs la noción de Jagger que estas cámaras podrían incomodar al público. Desde esta perspectiva, y hasta el momento en que el concierto comienza, se podría decir que el documental asume un modo reflexivo, ya que se presentan los mecanismos de construcción del mismo documental. En esto, llama la atención observar la presencia como cámara en mano de Albert Maysles, y entre los operadores de cámara se encuentra Robert Leacock, uno de los hijos de Richard Leacock. Al involucrar a estos personaje, creo que Scorsese le rinde un homenaje a los fundadores del modo observacional documental. Pero podemos ir más allá, al reconocer que la presencia de Scorsese en el documental, con mucha importancia antes que comience el concierto y de una manera sutil al terminar: la cámara sigue a Mick Jagger a medida que sale del escenario y avanza por un corredor abarrotado de personal técnico, pero la cámara sobrepasa a Jagger y comienza un plano secuencia en donde vemos a un costado a Scorsese dando instrucciones, la cámara avanza cruzando una puerta que conduce a la salida y volvemos a encontrar a Scorsese que da instrucciones de subir la cámara, la que comienza un vuelo fantástico que muestra en primer lugar la marquesina del teatro Beacon, en Austin, Texas, donde se realizo la filmación del concierto y a continuación, la cámara se aleja vertiginosamente hasta llegar al espacio desde donde vemos las luces de la tierra y la imagen de la luna llena, la cual se convierte en el logo de los Rolling Stones. Finalmente, escuchamos la voz de Jagger preguntando si acaso las cámaras molestarían a la audiencia. Toda esta secuencia nos hace pensar que el documental posee la mirada subjetiva de Scorsese y que por tanto también posee una característica performativa.

También es preciso comentar que de los documentales analizados, Shine a light es el único que, con excepción de la introducción y el cierre que ya hemos comentado, dedica la mayor parte de su tiempo a presentarnos el concierto que realizan los Stones, de una manera multicámara, con una estética observacional, con tiros de cámara que nos hacen sentir un espectador más, en primera fila, pero que también nos dan la perspectiva intima que podría tener un roadie desde arriba del escenario. El uso de las multicámaras revela la factura del documental, y se observan en los planos y contraplanos las cámaras, los técnicos y sus desplazamientos mientras registran el concierto. 

STONES IN EXILE

Stones in exile es un documental dirigido por Stephen Kijack, parte del esfuerzo de relanzamiento del disco Exile on Main St., como un paquete remasterizado con canciones inéditas. El documental presenta una revisión del proceso de creación del disco utilizando fotografías de la época, imágenes de la época obtenidas del documental Cocksucker blues y otras fuentes, y testimonios grabados en audio que son entrevistas realizadas especialmente para el documental, o bien, grabaciones de archivo. La estructura del documental se acerca a la de un documental expositivo, ya que las imágenes están completamente supeditadas y sincronizadas a los textos audibles, y también se observan las características propias del modo interactivo, en donde las preguntas del realizador son omitidas y solamente escuchamos las respuestas, configurando una versión de monologo falso. De la serie de documentales revisados, es el más breve, y tiene como propósito presentar una visión mítica de la banda y de la construcción de su disco Exile on Main St., abordando ligeramente y desde una perspectiva suavizada por el paso del tiempo, las problemáticas de sexo, drogas y rock’n’roll que se abordan de una manera cruda en Cocksucker blues.

CONCLUSIONES

En la representación documental de The Rolling Stones se observan los principales modos descritos por Nichols: Godard hace uso del modo observacional en Sympathy for the devil; Gimme shelter de los hermanos Maysles hace un uso mixto del modo observacional y del modo reflexivo; Cocksucker blues utiliza el modo observacional y es el documental que más se acerca al modelo de documental observacional de Pennebaker en Dont look back; Shine a light de Scorsese registra el concierto y sus preparativos utilizando el modo observacional, pero también al referirse de manera explícita al proceso de creación del documental hace uso del modo reflexivo, y por contar con la presencia en pantalla de Scorsese que nos hace ver de manera evidente que es él quien está administrando la presentación de los acontecimientos que vemos en pantalla, podemos señalar que también tiene un carácter de representación performativa. Finalmente, Stones in exile, con su uso de testimonios e imágenes de archivo, que van en concordancia y supeditados a los argumentos orales, se acerca al modo expositivo, y también, dado el trabajo de edición e intercalación de testimonios, que construye un monólogo continuo se acerca al modo interactivo y particularmente a la modalidad de monólogo falso.

De esta manera, podemos concluir que un mismo tema de trabajo: lo relativo a una banda musical, puede ser abordado desde distintas perspectivas, utilizando los diversos modos documentales descritos por Nichols.

Juan Pablo Labra es un alumno egresado del Diplomado Teoría del Cine: Estudios Avanzados, en el Instituto de Estética de la Facultad de Filosofía, de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Este artículo corresponde a un trabajo original del autor para este Diplomado, específicamente para el curso “Delimitaciones, forma y sentido del documental contemporáneo”, dictado por la profesora Maite Alberdi. Fue adaptado por el editor al formato del sitio, desde su fuente -un archivo de texto- y reproducido aquí en su totalidad con la adición de imágenes junto al texto, enviadas por el propio autor del texto. Nuestros agradecimientos por su colaboración al sitio.

BIBLIOGRAFIA

Barnouw, Erik – Documentary: A history of the non-fiction film, Oxford University Press, 2003.

Grant, Barry Keith – Five films by Frederick Wiseman, University of California Press, 2006.

Nichols, Bill – La Representación de la Realidad, Paidos, 1997.

Nichols, Bill – Introduction to documentary, Indiana University Press, 2001.

[2] Frederick Wiseman, en el prólogo a Five films by Frederick Wiseman, transcripción del dialogo de cinco documentales de WIseman realizada por Barry Grant.

 

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Un nuevo festival cultural para la capital

Este festival nace con la finalidad de crear una plataforma para el fomento, promoción y valoración del arte nacional, ofreciendo a la audiencia una gran gama de instancias artísticas bajo una convocatoria popular, masiva y completamente gratuita.  

Santiago OFF, es una nueva propuesta de festival cultural, que pretende aumentar y revitalizar la actividad artística durante el verano de 2012. Este festival se desarrollará entre el 26 y 29 de enero, en el Centro Cultural Estación Mapocho.

La primera edición del Festival Santiago OFF, pondrá a disposición de la comunidad, una nutrida cartelera teatral, música en vivo, talleres de diversas disciplinas artísticas y foros de discusión sobre la actividad cultural en Chile. Estas actividades se realizarán de manera absolutamente gratuita abogando por conformar una nueva alternativa de fomento a la actividad cultural de nuestro país al potenciarla como una instancia de encuentro y participación ciudadana.

Santiago OFF es un proyecto del departamento de gestión y producción de las compañías “La Fulana Teatro” y “LaFamiliateatro”, quienes además de estar presentes desde la organización del encuentro participarán de este a través de algunos de sus montajes emblemáticos: La Fulana Teatro con “Rimboy” montaje pre estrenado con gran éxito durante el 2010 en Roma, París y Barcelona; y Lafamiliateatro con su premiada pieza teatral “Cuando Juana conoció a Robert Wilson” galardonada  en el Festival de Nuevos Directores  de la Universidad de Chile 2011.

Cuando Juana conoció a Robert Wilson

Un total de seis espectáculos teatrales será completado por la compañía TO2 de Mónica Carrasco y Jorge Gajardo con su obra “Cuestión de principios”. El Centro Experimental de Arte LaCasaRodante, exhibirá la obra “Esta difícil condición”. De la mano de la compañía Dies Irae, se mostrará el trabajo “KOR. Post teatro” y finalmente Teatro Errante participará con su espectáculo “Huacho Style”.

Son cuatro los talleres gratuitos que se impartirán en Santiago OFF. Todos dictados  por profesores expertos en sus temáticas. Estos son Danza contemporánea y lenguaje interpretativo, Kalarippayattu (arte marcial de la India), Mimo corporal dramático y Canto teatral.

Las mesas de conversación en Santiago OFF pretenden generar un espacio de debate sobre diversos temas relacionados con el teatro. Las temáticas son “El espacio de la crítica en la escena nacional actual”,  “Un estado de la cuestión: Reflexiones en torno a las nuevas dramaturgias de la última década”, “Liminalidad desde la escena: Performance y política” y “Teatralidades en la obra de Pedro Lemebel”.

Banda La Deuda

La música en Santiago OFF también tiene un espacio. Los espectáculos a presentarse en el Festival son los siguientes: Poesía y rock con “Mauricio Redolés”, Caribe colombiano con “Mákina Kandela”, Rap Gourmet con “Ají pa`tu caldo”, Blues y música popular latinoamericana con “Tito Escárate & los Galanes Suplentes”, Fiesta popular con “Sonido Huaico”, Canción popular melodramática con “Me llamo Sebastián” y Performance y sabor con “La Deuda”.

Los invitamos entonces  a participar de esta nueva instancia  que a partir del jueves 26 de Enero se tomará el Centro Cultural Estación Mapocho para regalarnos cuatro días de encuentro con el arte y la cultura nacional.

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Luego de su exitosa presentación en el 4° Sudaka Festival de Teatro Joven Latinoamericano, en Quito, Ecuador, Compañía Teatro Ártico, regresa a las tablas chilenas, con su montaje “ Nay Nay, el tejer de la Vida”, que narra el origen del telar mapuche.

En la técnica de marionetas de madera, sus cuatro actores dan vida a esta mágica historia.

RESEÑA

Era plena primavera, cuando la pequeña Naynay tejía un hermoso collar con las pocas flores que encontraba a la orilla de un lago. Por ese entonces la tierra era azotada por una gran sequía que tenía al pueblo devastado. Los padres ancestrales debían hacer cumplir una promesa; Naynay era la Elegida. Ni cientos de ruegos nocturnos, ni cantos ofrecidos a los espíritus lograban detener lo que ya estaba escrito. Sólo la finísima urdimbre y los dedos ávidos de Naynay conseguirían hacer que la tierra danzará nuevamente. Entre lanas, sueños y colores nació el telar.

DATOS

• 18 al 29 de enero 2012 (miércoles a Domingo)
• 20:30 hrs
• Valor único: $2500.-
• Sala 2 Teatro Sidarte.
• Dirección: Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Barrio Bellavista, Santiago, Chile.
• Tel: (+56 2) 777 1036 

FICHA TECNICA

• Compañía: Teatro Ártico
• Dirección: María Lorena Figueroa
• Elenco: Andrea Contreras, María José Nuñez, Patricia Raths, Simón Salzmann
• Guión: Mariela Córdova
• Duración: 45 minutos, más documental que registra proceso investigativo de la obra, 20 min.

CRITICA EN MEDIOS

http://www.lanacion.cl/-naynay-y-angel-a-martillazos-dos-buenas-sorpresas/noticias/2011-03-31/121138.html

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El segundo año

[ por: Andrés Daly ]

El 2011 fue un buen año para 35milímetros. Desde que el sitio actual se lanzó oficialmente en julio de 2010, tan sólo un año y medio atrás, que fue cuando cambiamos de servidores y dimos inicio a las publicaciones regulares, el sitio ha crecido en todos sentidos. Valga mucho, poco o nada, pues no creo saber mucho de estadísticas web en realidad, el sitio ha aumentado sus visitas diarias, según Google Analytics, en un 1200%. Parece bastante. El sitio comenzó con apenas 25 visitas tímidas visitas diarias y este año logró pasar, hace un par de meses y en un muy buen día, las 560 visitas diarias, promediando por lo general unas 350 visitas diarias, aproximadamente. ¡Gracias a los 89.398 visitantes que este año recorrieron el sitio!.

35milímetros recibe estas visitas -en orden de mayor a menor flujo- desde Chile, España, Argentina, México y Colombia, principalmente. La páginas de facebook y twitter del sitio pasaron este año los 1.335 amigos y 1.041 seguidores, respectivamente. Fantástico. Con interesantísimas páginas amigas como La Noche Intermitente, Revista Sangría, DCP Magazine, ArqFilmFest, Bifurcaciones, Cinefilia, La Pollera, El Cadaver Exquisito y también El mundo sin Brando, Cinépata, La Fuga y LuchaLibro, no ha sido difícil compartir buenos artículos, fotografías, noticias, links y videos, a través de las redes sociales.

En el año 2011 se publicaron en total 323 artículos en 35milímetros.org, entre los que se destacan las entrevistas de la periodista Constanza Khamis a realizadores audiovisuales como Marcelo Fica, Daniel Peralta, Marcela Said, Diego Riquelme y Felipe Orellana, Valentina Avayú, Antonio Von Hildebrand, y recientemente al director de CinEducación y Bifurcaciones, Ricardo Greene, y al director del ArqFilmFest, Miguel Angel Contreras. Además, tuvimos entrevistas de la periodista Carolina Cartagena a destacados directores de obras de teatro y danza, entre enero y septiembre del año pasado, junto a notas sobre obras en cartelera, que integraban, como no, la completísima Cartelera Cultural de 35milímetros.

Hubo columnas nuevas en el 2011 como Cine+Fotografía; la publicación de excelentes ensayos, tanto de estudiantes del Diplomado de Estudios Avanzados de Cine de la Pontificia Universidad Católica de Chile, como de Estudiantes Arquitectura de la Universidad Andrés Bello y la UNIACC (recopilados estos últimos en Cine +Ciudad) y por supuesto, la siempre irregular columna Una película al día (de este editor) con 60 nuevas películas.

Ricardo Darín en SANFIC. Fotografía: Andrés Daly.

La aventura más interesante del año 2011 fue sin duda la publicación de cinco Dossiers dedicados a directores de cine, durante el primer semestre del año. Con un total de 64 nuevos artículos, el equipo de colaboradores puso manos a la obra -y ojos trasnochados- para revisar las extensas filmografías de Blake Edwards [#1, enero], Stanley Kubrick [#2, febrero], David Fincher [#3, marzo], Joel & Ethan Coen [#4, abril-mayo] y Francis Ford Coppola [#5, junio-julio]. Hay que destacar que el Dossier #4, con nada menos que 19 artículos, revisó por completo la filmografía de los hermanos Coen, no dejando ni un sólo título atrás. Este 2012, ¡volveremos con nuevos Dossiers!.

Pudimos ir a Festivales como Sanfic e In-Edit Nescafé. Nos quedamos con las ganas de ir al Festival Cine B, Fidocs y el Festival de Cine de Valdivia, todos los cuales esperamos poder visitar este 2012, junto a tantos más que quedan sin mencionar aquí.

María Soledad Carlini, Carolina Cartagena, Luis Cifuentes, Lissete Fernández, Michel Gajardo, Constanza Khamis, Juan Pablo Labra, Olivia S. Lauriani, Victor Hugo Ortega, Carlos Rodríguez Schiappacase, Alvaro Silva, Lisette Sobarzo, Micheell Toledo V., Juliana Uscategui, Elena Valderas Fernández, Luis Felipe Zúñiga.

y para tí, que nos lees (y esperamos que nos sigas leyendo), un ¡Feliz 2012!

 

 Cartelera Cultural:

Estos son los 15 artículos más leídos del 2011:

15. CINEMAGRAPHS: NO ES FOTOGRAFÍA, NO ES VIDEO

Movimientos mínimos. “El proyector de cine pasa los fotogramas con tal rapidez, que no podemos detectar el cambio de uno a otro. Si observamos la secuencia fotográfica de una película, encontraríamos que se compone de un fotograma, una pequeña línea negra y otro fotograma. Entre estas imágenes sólo se registra una pequeña modificación…” – Belen Carranza Saucillo Así rezan, mas o menos, casi todas las definiciones que explican al cine como la sucesión casi interminable de fotogramas, o fotografías, una tras otra, 24 veces por segundo. Un movimiento real que es sólo el físico, el de la… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 3 de octubre

14. SIX FEET UNDER: LA CÁMARA DE CLAIRE FISHER

13. BENDITOS SEAN LOS OLVIDADIZOS

por: Juan Pablo Labra / Fecha de publicación: 26 de diciembre

12. LA VIVIENDA SOCIAL EN EL LENTE DE KAULEN

“Largo Viaje” de Patricio Kaulen. En “Largo Viaje” (1967, Chile) de Patricio Kaulen, el director nos muestra las condiciones en que sobreviven los campesinos que llegan a la gran ciudad, buscando en ella mejores oportunidades que el campo no les puede entregar. Chile a lo largo de su historia ha tenido una gran deuda con respecto a las viviendas que utilizan los más pobres. Un ejemplo importante es la ley 1.838 de Habitaciones Obreras del año 1906, ya que figura como la primera iniciativa que da comienzo a las actuaciones públicas en el campo de la vivienda social. Uno de los aspectos importantes… Leer más

por: Víctor Reyes Jara  / Fecha de publicación: 19 de mayo

11. DOSSIER FRANCIS FORD COPPOLA: BRAM STOKER’S DRACULA

De la letra a la desmesura de la imagen. Si pudiéramos atribuir una cualidad genética determinada a un pueblo, los italianos y sus descendientes tendrían un ADN claramente especializado en lo dramático. La hipérbole y la exuberancia está presente en sus artistas, y si consideramos solamente el mundo del cine bastaría con recordar figuras como Federico Fellini, Dario Argento, Sergio Leone, Nanni Moretti, e incluso musas como Sofia Loren para graficar esta característica. Por supuesto, el cineasta italoamericano Francis Ford Coppola también integraría ese largo listado. Un pequeño caso del carácter operático… Leer más

por: María Soledad Carlini  / Fecha de publicación: 28 de junio. / Artículo del Dossier de Stanley Kubrick.

10. UNA PELÍCULA AL DÍA #134: “FLIPPED” (2010)

A Juli (Madeline Carroll) le encanta como huele Bryce Loski (Callan McAulliffe). Los opuestos se atraen. Desde que la pequeña, divertida e insistente Juli Baker (Morgan Lily) vió por primera vez los ojos de su rubio y asustado vecino Bryce Loski (Ryan Ketzner), se enamoró perdidamente. Desde que nosotros vimos el rostro de repulsión de Bryce y su continuamente atarantada respuesta hacia Juli durante los años de su adolescencia, yo personalmente sólo quería vivir un momento sacado de “El Aro” de Gore Verbinski, pero invertido: insertar mis brazos en la pantalla de mi televisor y ahorcarle. Lentamente. Sin embargo,… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 7 de enero

9. VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS, EN EL MUNDO SIN BRANDO

El capítulo 13 de la 3ª temporada de “El mundo sin Brando” está dedicado a una de las películas chilenas más importantes de este 2011, “Violeta se fue a los cielos”, de Andrés Wood. Daly y Ortega invitan al programa a Cristóbal Briceño, voz y guitarra de las bandas Ases Falsos y Los Mil Jinetes, para debatir sobre el filme que narra la vida de Violeta Parra, a través de la particular actuación de Francisca Gavilán. … Leer más

por: Andrés Daly y Victor Ortega. Con la participación de Cristóbal Briceño. Controles: Arturo Estay.  / Fecha de publicación: 29 de septiembre

8. DOSSIER STANLEY KUBRICK: FOTOGRAFÍAS, PARTE II

Atención, Kubrick en el set. Como todas las semanas un selecto grupo de fotografías aterrizan en Cine+Fotografía (o las fotografías detrás del cine) y por ser la primera entrega del mes de febrero que mejor momento para destacar en esta sección al director de cine al cual se dedica el segundo Dossier de 35milímetros: Stanley Kubrick. Un artículo visual de dos partes, el primero de ellos sobre el trabajo de Kubrick como Fotógrafo. He aquí un conjunto de imágenes que nos muestran a un Kubrick generalmente serio y concentrado -como era su carácter según sus colaboradores- trabajando durante los rodajes de nueve… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 5 de febrero / Artículo del Dossier de Stanley Kubrick.

7. POST MORTEM, VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS Y DRAMA

Un panorama actoral reciente. En el cine chileno de los últimos cinco años, se puede observar un interés progresivo de los directores y/o productoras detrás de los largometrajes de ficción por contextualizar sus historias dentro de algunos de los muchos géneros y subgéneros en los que el cine nacional aún no ha incursionado. De esta forma, las películas de acción de Ernesto Díaz Espinoza se inscriben, de forma transparente y algo cómica, en los géneros de las artes marciales (Kiltro, 2006), los superhéroes (Mirageman, 2007) y las películas de espionaje (Mandril, 2009) respondiendo a los códigos esperables… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 2 de noviembre

6. LA TRANSFORMACIÓN DEL EX CINE PEDRO DE VALDIVIA

Fachadas y nuevos programas. A pocos días de su inauguración se encuentra el Restaurante La Hacienda Gaucha, ubicado exactamente en el lugar donde se encontraba el tradicional Cine Pedro de Valdivia, antigua sala de cine (de una sola pantalla) de la ciudad de Santiago, que cerró sus puertas -y apagó su pantalla para siempre- en enero de 2008. Inicialmente con un destino incierto y algo preocupante, bastaba recordar el destino que tuvo el terreno del Ex Cine Las Lilas, ubicado también en la comuna de Providencia y frente a una plaza de su mismo nombre. En este caso, el Ex Cine Las Lilas fue borrado por completo, con un… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 14 de junio

5. The Date, Auspiciado por Heineken

Acompañando a “La Leyenda”. De vez en cuando algunos buenos comerciales nos recuerdan a lo que la publicidad realmente debe apuntar. No, no sólo a vendernos un producto, eso es demasiado simple. Se trata de cautivarnos, de seducirnos con lo que esperamos de ella: creatividad compactada en escasos segundos. Ojalá a tomarnos de la mano y llevarnos a un mundo que no conocemos en ese breve lapso de tiempo, a sorprendernos, a envolvernos en la atmósfera de una cuidada producción, y por qué no, a recordarnos también al buen cine. De eso hay mucho en “The Date”, el segundo spot publicitario de la última… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 1 de agosto 

4. [IN-EDIT NESCAFÉ] PIEDRA ROJA, DE GARY N. FRITZ

En la transferencia del mito a la historia. In-Edit Nescafé comenzó ayer jueves su octava versión en el Teatro Nescafé de las Artes, con un lleno total de público y con una película documental que parecía totalmente opuesta a aquella escogida para la inauguración del mismo festival, pero el año pasado: el filme “It Might Get Loud (2008)“ de Davis Guggenheim. Con un documental sin super estrellas internacionales de la música como The Edge, Jimmy Page o Jack White -protagonistas de la película de Guggenheim- y ausente por completo de una gran producción y propuesta estética, este año se privilegió… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 9 de diciembre

3. CASA SKYBREAK DE NORMAN FOSTER: LA NARANJA MECÁNICA

La película cuenta la historia  de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia, y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su  agresividad y lo consigue disfrutando de la tragedia y la desgracia de los demás. La casa  donde atacaron al escritor y a su esposa violada es una casa llamada Sky break en el Warren, Radlett, Hertfordshire. La casa fue diseñada por  Norman Foster y Wendy Foster con  Richard Rogers cuando formaban Equipo 4 (Team 4). Planimetría Casa SkyBreak.   ANÁLISIS… Leer más

por: Andrés Guajardo C.  / Fecha de publicación: 25 de mayo / Publicado en la Revista DCP

2. MARCELA SAID, DIRECTORA DE “EL MOCITO”, HABLA SOBRE LA POLÉMICA CON MOVIELAND

No son muchas las veces en que las grandes cadenas de cines estrenan películas independientes chilenas, menos aún con un explícito contenido político. Esta semana, como gran novedad, eso iba a suceder. “El Mocito”, de la directora chilena Marcela Said (Opus Dei, I Love Pinochet) iba a ser exhibida en las cadenas Movieland de La Dehesa y La Florida. Pero por razones bastante dudosas y que han ido mutando durante la semana, la película fue bajada de la cartelera. La razón principal – según expresaron ejecutivos de Movieland – fue la incompatibilidad con el estreno en DVD, que se hizo hoy junto a… Leer más

por: Constanza Khamis  / Fecha de publicación: 25 de noviembre

1.The Star Wars Holiday Special

Juntos, como hermanos Oh my God, George. “I would burn every copy of it if I could find them.” – George Lucas Francamente esta vez casi no tengo palabras para describir en detalle lo divertidamente morbosa, catastrófica, aburrida, potencialmente mortal y aterradoramente mala que es la experiencia de ver completamente los 120 minutos de este engendro hecho para la televisión por un grupo de primates. Todo en nombre de la Navidad, Star Wars y de algunos deliciosos dólares de 1978. Ni siquiera me molestaré con escribir sobre su trama. Dirigida por un par de inútiles de antología llamados Steve Binder… Leer más

por: Andrés Daly  / Fecha de publicación: 25 de febrero

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El capítulo 23 de la 3ª temporada de “El mundo sin Brando” recuerda la película “¡Viva Zapata!”, dirigida por Elia Kazan en 1952. Daly y Ortega conversan de este filme, basado en la historia del símbolo de la revolución mexicana, Emiliano Zapata; y protagonizado por dos grandes actores de todos los tiempos: Anthony Quinn y Marlon Brando.

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Porque es un tema complejo y ambiguo. Porque todos alguna vez han comprado una película en una cuneta. Porque todos alguna vez han bajado una canción en MP3. Porque todos alguna vez han entrado a Taringa y Cuevana. Sí señor, el capítulo 22 de la 3ª temporada de “El mundo sin Brando” está dedicado a la piratería.

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