[ por: Andrés Daly ]

Como decía ayer en el facebook de 35 milímetros, casi me dió un infarto cuando vi el afiche de PASSION entre las fotografías del recientemente estrenado Festival de Cannes 65, como uno de los largometrajes que busca distribuidores, a través de la proyección de su teaser.

Con sólo un puñado de imágenes y un par de líneas del argumento, este largometraje ya promete ser el regreso a forma del director Brian De Palma, de vuelta en el cine después de siete años luego de la polémica detrás de REDACTED (2006), largometraje que le valió el repudio de una parte de Hollywood y de la prensa por ser “anti norteamericana y anti patriótica” (habrase visto algo más pelotudo) por mostrar -de forma brillante y multimedial- la invasión norteamericana a Irak, desde distintos puntos de vista.

Passion es el remake alemán/francés/español/inglés – De Palma el paria, alejado de EE.UU.- de la película francesa Crime d’amour (2010), escrita y dirigida por Alain Corneau. Con un guión del mismo Corneau junto a Natalie Carter y el propio De Palma, Passion cuenta la historia de una joven mujer ejecutiva que planifica la venganza y el asesinato de su superiora y mentora, la cual le robó una idea.

Passion cuenta con Noomi Rapace (La Chica del Tatuaje del Dragón, en la versión de David Fincher) y Rachel McAdams en el cast, y además con el regreso a la música de Pino Dinoggio, a la filmografía de De Palma. Sí, el compositor de las bandas sonoras de Carrie, Doble de Cuerpo, Vestida para Matar y Obsesión (o Fascinación, como también se le conoce) volverá a dejar, seguramente, otra marca indeleble en el cine del italoamericano.

Este fan declarado del director de Carlito’s Way y Estallido Mortal, luego de haber revisitado Scarface en cines hace tan sólo un par de días atrás, no puede estar más feliz.

Passion se estrena el próximo año. Abajo los dejo con el trailer de Crime d’amour (2010) de Alain Corneau.

GALERIA

Cine/Arquitectura/Habitar

Macarena Aguiló es comunicadora audiovisual. Luego de trabajar durante varios años como directora de arte y ambientadora de películas nacionales, empezó a desarrollar un documental propio, “El edificio de los chilenos” (2010).

El largometraje constituye una reconstrucción de la historia del Proyecto Hogares, plan de vida comunitaria que organizaron los militantes del MIR para dejar a sus hijos en Cuba a fines de los setenta, mientras ellos volvían clandestinamente a Chile con la Operación Retorno. El documental obtuvo el Gran Premio Embajada de Francia FIDOCS 2010, entre otros reconocimientos. Se construyó en base a la vivencia personal de Macarena, quien vivió durante cuatro años en este edificio, con padres sociales.

Este ejercicio de memoria, y su propia historia, le ha permitido construir un vínculo muy personal con la arquitectura y el cine, y reflexionar sobre el desafío permanente de habitar los espacios.

“Yo siento que el cine y la arquitectura están absolutamente ligados… desde el cine todo se construye en relación al movimiento y al espacio… El festival me lo imagino como un conjunto de películas que se hacen cargo de las relaciones y las vivencias de las personas en relación a los espacios…”

Arqfilmfest Presenta ©2012
Periodista: Alejandra Ugarte
Filmado por Martín Núñez y Joaquín Mora
Edición: Martín Núñez
Música: Ottavio Berbakow
Producción: AFFS
Todos los Derechos Reservados©2012

Fuente: ArqFilmFest, Entrevista #5.

Mira esta entrevista y las cuatro anteriores en el sitio de ARQFILMFEST aquí

GALERIA

Galileo. La Tierra se detiene otra vez

“Nos dimos cuenta de que existía la posibilidad de tener una relación distinta con el espectador.”

[ por: Constanza Khamis / fotografías: Andrés Daly ]

Galileo Galilei fue perseguido, juzgado y condenado a presidio perpetuo. Fue un hombre que pudo ver el universo desde un nuevo punto de vista y de presentar una nueva perspectiva sobre el Universo. Y con este mismo espíritu se presenta su historia; la propuesta detrás de “Galileo. La Tierra se detiene otra vez” es una que presenta nuevos paradigmas bajo los que se pueden mirar el teatro. Y aunque probablemente nadie será juzgado ni condenado a presidio por esto, vale la pena acercarse y conocer una propuesta diferente, que pocas veces se ofrece en los escenarios nacionales.

La compañía detrás de esta producción es TeatroPan, que hace poco cumplió 10 años de existencia, con los mismos 3 integrantes a bordo, los actores y creadores Jaime Reyes, Paulina Casas y Érico Vera. Interrumpimos a uno de ellos para que nos contara sobre el re-estreno. Jaime dejó de lado por un rato las partes del escenario que estaba atornillando, y que se encuentra dentro del domo que alberga todo el montaje. Uno que se demoran 4 días en armar, pero que a estas alturas conocen de memoria; han viajado por todo Chile presentando la historia de Galileo y moviéndose con toda la estructura a cuestas.

“Galileo. La Tierra se detiene otra vez” es una apuesta, aunque a estas alturas una no tan riesgosa. Ha tenido éxito entre las audiencias en las que se ha presentado, pero por primera vez se exhibirá en el GAM (hasta el 3 de junio), hoy uno de los mayores referentes en la cartelera cultural santiaguina.  La propuesta está centrada en una historia humana,  pero es la estética innovadora y la relación con el espectador lo que marca la diferencia y hace de éste un proyecto especial. Intentando llegar a las raíces más espirituales del teatro, y apelando al compromiso de los que estamos observando -que debemos movernos para poder apreciar la obra en su totalidad- nos acercamos a una narración que puede convertirse en una experiencia distinta, que promete una reflexión y entretención, todo en uno.

Arriba: Imágenes del domo durante su montaje, antes de las funciones en GAM.

¿Por qué Galileo? ¿Qué representa para ustedes este personaje?

Había un material súper interesante en la historia de Galileo respecto de vivir bajo un dogma. A diario la sociedad te está diciendo que hay sólo una forma de vivir. En el caso nuestro es el dogma del dinero, casarse, tener hijos. Es un proceso dibujado y sentimos que esos son los dogmas actuales. Es algo pesado y duro de llevar ese sentido de obligación respecto del cómo vivir. Y encontramos en Galileo, desde el punto de vista histórico, una época en que el dogma si bien era otro, estaba marcado qué era lo que tenías que hacer, pensar y creer. El problema de Galileo tiene que ver con la iglesia. Hoy no es la iglesia, pero son los que tienen el poder y que manejan el destino del mundo entero. Nosotros quisimos hablar a través de Galileo, de cómo somos obligados por la sociedad, el poder, la estructura social a vivir de una forma y a creer ciertas cosas.

¿En qué se basaron para escribir el texto?

Lo escribimos nosotros a partir de investigación biográfica, y usamos como base “La hija de Galileo”, de Dava Sobel, que es una biografía novelada a partir de cartas que le mandaba la hija, que estaba en un convento. Es una construcción del espacio íntimo del personaje y para nosotros fue un acierto encontrar ese libro. Pero obviamente nos tomamos ciertas licencias creativas, fusionamos algunos personajes, por ejemplo. Desde el punto de vista del rigor histórico no somos el mejor referente, pero intentamos habitar el espíritu galileico. No hacer historia sino que hacer arte a partir de la historia de la ciencia y de la humanidad.

La obra está centrada en los momentos más críticos de este gran personaje histórico; la relación con su hija, su ayudante, y el enfrentamiento con la inquisición por sus publicaciones consideradas herejes y por las que debía ser condenado a muerte. Todo esto transcurre dentro de un domo; una gran estructura circular que envuelve y deja encerrados en el mismo lugar a actores y espectadores, alrededor de 130 personas, que mantienen una cercanía poco habitual con los actores. En este montaje el espectador está mucho más integrado que en el teatro tradicional ¿Qué finalidad tiene este formato?

“Salimos de la escuela pensando en un escenario y gente en butacas. En la medida que fuimos avanzando empezamos a darnos cuenta de que existía la posibilidad de tener una relación distinta con el espectador. No es que nosotros la hayamos inventado, es una relación que existe desde siempre. Pero nos dimos cuenta de que uno como actor se estaba olvidando del cuerpo del espectador. Entonces quisimos devolverle al teatro el carácter ritual  y espiritual con el que nació en la Grecia antigua, un carácter que está un poco más cerca del templo. Buscamos qué cosas podían relacionarse con eso, y pensamos en las procesiones. Por ejemplo en el acto procesional de las estaciones de la pasión. Entonces hicimos una obra basada en una “La tumba de las luciérnagas”,  sobre el proceso de dos niños que mueren de hambre. En cada una de las estaciones había un capítulo de estos niños. Y no todos eran escenas con actores, había instalaciones también, donde no pasaba nada, pero pasar por ahí tenía un sentido. Es donde nos dimos cuenta de que uno podía hacer teatro mezclando otras cosas. Se produjo algo un poco mágico y especial; el público se relacionó con el montaje (“Cenizas al Viento”) de otra forma, con otra carga emocional y con un proceso de expiación, de catarsis. Esto fue una piedra angular para nosotros: podíamos trabajar no sólo con la emocionalidad y la intelectualidad del público, no sólo con su capacidad de espectar, sino de disponerlos de otra forma física respecto al espectáculo.”

El público dentro de la obra.

Esta revelación marcó la forma de hacer teatro de la compañía, y es lo  diferencia de la mayoría de las compañías de teatro a las que estamos acostumbrados. En el caso de “Galileo: la tierra se detiene otra vez” decidieron aplicar el concepto de integración realizando acciones alrededor del público, de manera de que no fuera un ente pasivo, si no que estuviera obligado a moverse, mantenerse alerta y cambiar el foco de atención. Y ese el compromiso que la compañía Teatropan le pide al espectador;  las acciones ocurren en distintos escenarios, atrás, alrededor, arriba del público, básicamente 360 grados, y eso requiere un compromiso de participación y movimiento constante.

“Hicimos una especie de órbita alrededor del público que también tiene mucho que ver con el tema de Galileo.  De repente se unió todo, tuvimos uno de esos momentos especiales cuando uno está creando arte en que todo calza.  La órbita y el contacto con el público se unieron de manera ideal. “

 Para Jaime, hay algo en el espíritu de la compañía que no ha cambiado, y es ese sentido lúdico y de exploración con la relación con el público lo que los caracteriza desde el comienzo. Es lo que los ha llevado a mantener vigentes todas sus obras, desde la fundación de la compañía el año 2002, y a realizar una constante exploración en sus propios montajes.

“Para nosotros los errores son aprendizajes y los montajes siempre se pueden rearmar y refundar. Q, por ejemplo, que fue nuestra primera obra, la rehicimos (“Q 2.0″). Para nosotros las obras no son procesos terminados, no son una película, también son procesos vivos, mientras nosotros estemos vivos las obras están vivas.”

La concepción de audiencia no es la única propuesta que distingue a esta compañía. Los montajes, quizás dentro de la misma búsqueda de lo lúdico y la importancia de lo visual,  proponen una fusión del teatro de las artes escénicas con lo audiovisual. Esta mezcla no es algo nuevo, pero es la forma en que se presenta lo que marca la diferencia.

“No tenemos ni una intención de limitar nuestros medios de expresión, las expresiones creativas son para todos los formatos”.

¿Cómo llegaron al concepto del domo y las proyecciones que utilizan en este montaje?

“En Galileo necesitábamos su imaginario puesto en escena. Los descubrimientos por una parte y como él podía ver un mundo y la sociedad. Necesitábamos el cielo, entonces lo que hicimos fue poner un telón en el techo. Es básicamente un planetario, la bóveda celeste a través de ese telón que componemos con 3 proyectores de manera que sea una imagen grande en el cielo. Es parte de este interés y necesidad por envolver al público en emocionalidad.”

En relación con el teatro tradicional ¿piensan que ésta forma, más interactiva, es hacia donde debería dirigirse el teatro, o el sólo otra forma de aproximarse a él?

“No tenemos una sola forma de ver teatro. Creo que desde el punto de vista de narrar historias, la evolución natural del teatro fue el cine. Antes de su existencia no había ningún espectáculo más universal y democrático que el teatro. Era el espectáculo de todos hasta que apareció el cine, que se convirtió en la expresión natural, y el teatro se convirtió en algo para un público más high class. Sí se ha mantenido siempre el teatro callejero, pero el teatro al que pago y voy, se redujo considerablemente. Y se quedó en algo para algunas personas no más, con la cierta culpa de algunos colegas que se pusieron más crípticos. Obviamente eso es más difícil que llame al público. El que siempre va al teatro va a ir, pero el que no va siempre va a quedar fuera porque no tiene acceso al lenguaje que se propone.

“Me gustaría que el teatro se apropiara más de la diferencia que tiene con el cine, que es que actor y espectador tan el mismo espacio. El cine, como el teatro convencional, ocurren adelante y tu miras desde tu silla. En el teatro el cuerpo del actor y del espectador son cuerpos que están presentes ahí y tú puedes trabajar con eso. Eso tratamos de explorar, y no es algo que haya partido con nosotros, existe hace años, pero he visto muy pocas obras que se encarguen del espectador. Y hay tanto que hacer. Hay mucho que investigar en tipos de espacios, en lugares distintos, en convertir el teatro en otro lugar, que se meta más en la sociedad y en eso hay mucho que hacer.”

Detrás de escena: un equipo técnico se oculta detrás del Domo durante cada función, coordinando perfectamente la proyección de videos, la reproducción de música cuadrafónica y la manipulación del sonido.

En el caso de Galileo, la búsqueda se refleja también en la cercanía entre los actores y el público. La visión de Teatropan es la de un espectáculo a escala humana.

“No hay una pantalla como en el cine donde puedes meter toda la gente que quieras, y todos pueden ver bien, entonces nuestro límite es claro. Quisimos hacer algo con escala humana y aquí caben 130 personas, que sentimos que es un numero perfecto para ver esta obra”.

¿Qué invitación le harías a la gente para que viniera a ver Galileo: la Tierra se detiene?

“Nosotros hacemos todos nuestros montajes de manera que quepan todos, un espectáculo con el cual uno no se encuentra todos los días Es un montaje que está pensado para que la gente se entretenga pero también piense que lugar estamos ocupando en la sociedad. Y con una obra que básicamente tiene 10 años de investigación detrás, porque son 10 años juntos las mismas personas preocupados de lo mismo, de la misma investigación”.

• Galileo. La Tierra se detiene otra vez se presenta sólo hasta el 3 de junio en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM). Más información aquí.
• Otros artículos en 35milímetros sobre la compañía: Re-estreno en GAM y 10 años de la Compañía.

GALERIA

[ por: Andrés Daly ]

No se ustedes, pero esta es una de las películas más esperadas del año, al menos en mi lista. Ridley Scott vuelve al mundo de su indispensable clásico de ciencia ficción, Alien (1979), para mostrarnos la historia que antecede al terror de la película protagonizada por Sigourney Weaver.

A continuación unas imágenes centradas principalmente en los espacios interiores de la nave Prometheus, que le da el título al largometraje. El diseño de producción es de Arthur Max, notable diseñador que ha trabajado con Scott en varias oportunidades (Black Hawk Down, Gladiator, American Gangster) y también con el director David Fincher, en La Habitación del Pánico y Seven.

GALERIA

[ por: Luis Felipe Zúñiga ]

Creo que la palabra “shame” causa más daño que “vergüenza”, quizá la más convencional de sus variadas traducciones al español. Mientras la primera es brusca, veloz, punzante; la hispana, condescendiente. Sin embargo, lo vergonzoso, va de la mano con la deshonra pública, el desafuero social y las malas costumbres. Y en aquellos usos civiles, a lo sexual se le guarda especial recelo. De ahí lo certero de ambas palabras para resumir la trama de la nueva película del artista visual londinense Steve McQueen, Shame, que excepcional – y curiosamente – llegará a las salas chilenas la próxima semana con su título original, en inglés.

En su segundo largometraje, luego de debutar con la premiada Hunger (2008), McQueen ilustra con sutileza uno de los peores sín­ntomas del hombre moderno: la soledad. A través del cuidado perfil de un adicto sexual, Brandon Sullivan (Michael Fassbender), este otrora esteta inglés devenido en cineasta, idea a un ser humano carente de sentimientos, corroído por los impulsos, enfermo hasta el hastío.

Brandon respira lujuria. Se masturba en la ducha, mientra su contestadora replica los deseos carnales de alguna de las depositarias de su sexo. El computador con el que trabaja desaparece súbitamente: fue enviado a una rigurosa limpieza, pues su disco duro no resistí­a la alta carga pornográfica almacenada en el sistema. Brandon esquiva la responsabilidad. “Preocúpate de esos alumnos en práctica, colapsaron tu procesador con material porno”, arguye erróneamente su jefe intentando dar con el motivo de la falla. Empero, no sabe que el verdadero derrumbe está al interior de su empleado. Brandon, representa a un exitoso yuppie neoyorquino, recluido en su propio ego sexual. Tal nivel de voluntario abandono lo hace incapaz hasta de enfrentar la llegada de su descarrilada hermana, Sissy (Carey Mulligan), en quien ve una amenaza más que una compañera. Y sobre quien teme lo peor: que por sus venas corra aquella sangre hedonista que a él lo aprisiona.

Shame, más que un violento fresco cinematográfico vertido de gruesas pinceladas eróticas, como perfectamente se podría esperar de McQueen – un artesano proveniente de lo puramente abstracto -, es un amargo drama que transita con cuidadoso equilibro tanto el arte conceptual como la convencional historia en desarrollada en los clásicos tres actos. Lo interesante viene entonces en saber cuál imagen, plano o secuencia, es belleza de primera clase y cuál es pura chatarra de explotación.

Sin duda, uno de los mejores estrenos del año. No se avergüence de decirlo.

GALERIA

Se re-estrena en GAM “GALILEO. La Tierra se detiene otra vez” de Teatropan, compañía que cumple 10 años de existencia.

Después de una exitosa temporada en 2008 y de diversas giras por el Norte, Centro y Sur de Chile en los años siguientes, vuelve a re-estrenarse en Santiago, en el Centro Cultural Gabriela Mistral GAM, la alabada obra GALILEO: La Tierra se detiene otra vez, original de la compañía Teatropan.

El Domo

La obra orbita en torno al espectador

Esta compañía, que hoy celebra sus 10 años de existencia en la escena nacional y  que desde sus orígenes en 2002 llamó la atención por su capacidad estetizar contenidos teatrales y de quien se dijo en sus comienzos poseer una de las estéticas más atractivas de la escena emergente, junto con presentar montajes invitadores con diferentes niveles de lectura para el espectador, llega a su máximo desarrollo, proponiendo en Galileo una disposición escenográfica que involucra directamente al espectador en el mundo sugerido en la obra de teatro.

“Hemos apostado por proponer nuevas formas de aproximación al fenómeno teatral en un proceso que ya no tiene vuelta atrás y que pretende seguir creciendo con el tiempo. Galileo, sugiere una experiencia en 360 grados, ya que las acciones ocurren adelante, atrás, alrededor y arriba de los espectadores, situándose el público en el centro del conflicto dramático. El rol del espectador es fundamental, ya que se le invita a entrar en la escenografía, por lo tanto en el mundo de Galileo. El público es tan importante en nuestra investigación que en esta obra se orbita en torno a él” plantean los creadores.

Un domo que representa una especie de planetario es donde ocurre el drama de Galilei. Se cuenta con proyecciones audiovisuales de imágenes cósmicas y con sonido cuadrafónico que enriquecen el mundo temático de la obra.

Visión poetizada de la vida de Galileo Galilei

El personaje ya viejo y casi ciego, es citado a declarar como hereje ante el Tribunal de la Inquisición para retractarse de sus descubrimientos astronómicos, declarándolos falsos. Ante el temor  de la tortura con la que es amenazado o a una posible muerte, el anciano, encadenado, se debate entre persistir en la verdad que lo obligan a acallar o abdicar y asumir como propio un documento que la Inquisición ha redactado para él. A partir del juicio la obra vuelve a las distintas etapas de la vida de Galileo Galilei junto a su ayudante y su hija.

Sin ser una obra de estricto rigor histórico, sino que presentando una visión poetizada de la vida del astrónomo, GALILEO: La Tierra se detiene otra vez, revela la vida, obra y pasión de Galileo Galilei.

Cabe destacar que como fuente de creación dramatúrgica se usaron documentos históricos que luego de siglos de silencio respecto del caso Galilei, fueron desclasificados por el Vaticano hace pocos años. Respecto del texto y de la puesta en escena el crítico Juan Antonio Muñoz escribió: “El texto, hecho con un cuidado literario notable, está basado en las cartas entre Galileo y su hija, María Celeste, Aborda desde los primeros descubrimientos hasta el proceso de la Inquisición […] la puesta encanta por su imaginación, su factura artesanal, por la energía de los actores y por la emoción con que se aborda la tragedia de este genio de la humanidad.”

Celebrando 10 años con Psicotrip

Con este re-estreno se da inicio a la celebración oficial de los 10 años de la compañía Teatropan, conformada por tres actores egresados de la Escuela de Teatro de la Universidad Católica y que han mantenido un trabajo de investigación en el tiempo con montajes de alto vuelo temático y visual. Esta celebración continuará en septiembre igualmente en el GAM con el estreno de la obra Psicotrip, original de la compañía. Esta obra revisará nuestra historicidad desde una mirada generacional a partir de la relación padre-hijo y de la muerte como realidad absoluta e ineludible. Propone seguir la misma línea de investigación sugerida por la compañía, invitándose al espectador a asistir a una obra de teatro-concierto, en que una banda en vivo se intersectará en los contenidos dramáticos y completará el texto desde la música al estilo de una opera rock, pero cuya columna vertebral será el Teatro.“En este nuevo montaje uno de los desafíos que nos hemos propuesto es realizar una escenografía inmaterial que dé cuenta de la difusa frontera entre la vida y la muerte.”

Teaser Galileo

Trailer Galileo

Datos Generales

Galileo. La Tierra se detiene otra vez.

• Obra original de Teatropan
• Compañía: Jaime Reyes, Paulina Casas y Érico Vera

Lugar

• GAM / Centro Cultural Gabriela Mistral
• Sala N1 (Edificio B, Piso 2)

Temporada

• Desde el 28 de abril al 3 de junio 2012
• Jueves a sábado a las 21 h. y domingos a las 20 h.

Entradas

• $5.000 general
• $3.000 estudiantes y tercera edad.
• 20% de descuento Club La Tercera
• A la venta en boleterías GAM y en los puntos de venta de www.ticketek.cl
• Estacionamientos subterráneos por Villavicencio 354.

Contacto

• Página web: http://www.teatropan.cl
• e-mail: contacto [arroba] teatropan [punto] cl
• Facebook: teatropan
• Twitter: @teatropan
• Vimeo: canal de teatropan

Otras actividades Teatrales:

En un año de efervescente trabajo teatral, a las actividades de conmemoración de sus 10 años Teatropan suma los re-montajes de sus obra “Q 2.0” (adaptación del Quijote) y “SILVER. La Isla del Tesoro” (Basada en la novela de R.L Stevenson) en M100 para la cartelera del Proyecto de Formación de Nuevos Públicos. SILVER, será presentada en  versión bilingüe español e inglés, para lo cual los actores tuvieron una preparación especializada en la Universidad Chileno Británica de Cultura, con una asistente de Cambridge.

 Teatropan Audiovisual:

A la labor teatral y proyectando nuevas búsquedas al cumplir 10 años, se suma la creación de PerroMalo!, productora en la que Teatropan vuelca sus intereses creativos a la investigación audiovisual. Actualmente se prepara una serie de humor y un programa infantil.

Videoclip para la banda Como Asesinar a Felipes, creado por PerroMalo!

GALERIA

Cine/Arquitectura/Distopía: Jorge Baradit

Este escritor nacido en Valparaíso, diseñador de profesión, está instalado actualmente en Santiago. Es considerado uno de los exponentes de la ciencia ficción en Chile, aunque él prefiere categorizar su trabajo como hiperrealista.

Entre sus obras se encuentran “Ygdrasil”, “Atacama”, “Trinidad”, “Synco”, “Kalfukura”, “Chil3” y “Policía del karma”. Formó el proyecto Ucronia Chile, blog para reescribir la historia de nuestro país a objeto de estimular el crecimiento del ideario fantástico chileno. Ha experimentado con la música, el cómic y el diseño.

En 2006 fue elegido como uno de los 100 jóvenes líderes por la Revista El Sábado de El Mercurio. El 2005 su novela Ygdrasil estuvo entre las Top ten novels y el 2006 resultó ganador del XVI Premio UPC de literatura Fantástica, entregado por la Universidad de Catalunya, con la novela “Trinidad”. El 2011 “Policía del Karma” fue reconocida como la mejor novela gráfica chilena, y el 2011 obtuvo el premio al mejor guionista de novela gráfica chileno, FIC 2011.

“La ciudad de mis libros es una ciudad casi siempre amenazante…una ciudad que se olvida de sí misma… que construye sobre cementerios….un ente biológico que consume personas o que es consumida por las personas, es una batalla… El futuro llegó pero sólo los gadgets”

Arqfilmfest Presenta ©2012
Periodista: Alejandra Ugarte
Filmado por Martín Núñez y Joaquín Mora
Edición: Martín Núñez
Música: Ottavio Berbakow
Producción: AFFS
Todos los Derechos Reservados©2012

Fuente: ArqFilmFest, Entrevista #4.

Mira esta entrevista y las tres anteriores en el sitio de ARQFILMFEST aquí.

GALERIA

Quirófano para Superhéroes

[ por: Andrés Daly ]

Se acerca cada vez más el estreno de la película de Joss Whedon “The Avengers” (2012), super-cocktelera de  super-héroes, anunciada oficialmente cuatro años atrás, cuando después de los créditos de Iron Man (2008) dirigida por Jon Favreau, el carismático magnate-playboy-hombre-robot Tony Stark (personificado por un inspiradísimo Robert Downey Jr.) recibe la visita de un agente especial llamado Nick Fury (Samuel L.Jackson) que lo convoca a conformar un equipo muy especial en el futuro. Bueno, el futuro ya es ahora.

Los noventa pisos de la Torre Stark, en los comics

El encargado de diseñar y construir los espacios que veremos en este largometraje es el diseñador de producción James Chinlund, colaborador del director Darren Aranofsky  en Requiem por un Sueño (Requiem for a Dream, 2000) y en la poco conocida La Fuente (The Fountain, 2006), una hermosa y tremendamente ambiciosa película, que se beneficia profundamente del trabajo arquitectónico de Chinlund.

Interiores de espacios subterráneos, asépticos como un laboratorio, integrados por tecnología, plásticos, metálicos y vidriados son los que Chinlund parece traernos para más de una de las Bases de Operaciones de S.H.I.E.L.D., nombre que lleva esta Liga de la Justicia de la casa MARVEL. Ya que en los comics este cuartel general ha tenido diferentes encarnaciones, como por ejemplo los últimos pisos de la gran torre Stark, una vieja mansión, un portaaviones volador o un islote artificial, en la película probablemente veremos una o más de estas edificaciones.

Mañana destacaré otras facetas del trabajo de Chinlund, los dejo por ahora con algunas imágenes de su trabajo.

Fuentes: Fotografías de SuperHeroHype, Ilustraciones de ComicBookMovie.

Del Trailer: edificaciones que pueden o no corresponder al exterior del cuartel general de S.H.I.E.L.D.

Hydro Base / La Isla de The Avengers:

Interior de la Base:

Exterior del Helicarrier, Portaaviones volador de The Avengers

¿Interior del mismo portaaviones?

GALERIA

Nueva York, marzo de 2263

[ por: Andrés Daly ]

Finalmente concluímos este breve recuento gráfico del trabajo de Moebius del diseño conceptual, depersonajes, vestuario, vehículos y espacios para el cine con su última gran intervención en el medio, nada menos que para la muy entretenida película de ciencia ficción franco-norteamericana The Fifth Element (El Quinto Elemento, 1997) dirigida por Luc Besson y protagonizada por Bruce Willis, Milla Jovovich y Gary Oldman. Junto con Jean-Claude Mézières  y Jean-Paul Gaultier, el trabajo de Moebius viene a conformar en este largometraje una especie de sagrada trilogía -altamente inspirada- de autores que logran poblar  con éxito su diseño de una gran urbe del futuro -la megalópolis de Nueva York del año 2263- su estructura excesivamente vertical -la ciudad del vértigo- sus formas de transporte, decenas de objetos cotidianos y todo un sinnúmero de habitantes. El ojo se pierde, realmente, se saborea cada detalle.

Un logradísimo cierre del trabajo cinematógrafo de Jean Giraud, a.k.a. Moebius, y sin duda, un legado que será referenciado en el cine del futuro…

Si te las perdiste, aquí están las galerías anteriores, con sus otros cinco largometrajes.

• Galería 1: TRON (1982)
• Galería 2: WILLOW (1988)
• Galería 3: ALIEN (1979)
• Galería 4: THE ABYSS (1989)
• Galería 5: DUNE (1974)

Introducción de Moebius, a Life in Pictures:

 Ilustraciones de Moebius

Ilustraciones de Comics de Moebius que inspiraron la ciudad de El Quinto Elemento:

GALERIA

Ride the Snake

[ por: Andrés Daly ]

“Yo quería hacer una película que diera a la gente que tomaba LSD en esa época las alucinaciones que la droga daba, sin alucinaciones. Yo no quería que se tomara LSD, yo quería fabricar la droga en cine. Iba a cambiar la mentalidad del público. Mi ambición con Dune fue tremenda…” Alejandro Jodorowsky

El Cine está lleno de proyectos inconclusos, fallidos o desertados. La adaptación de DUNE (1974), la psicotrópica novela de Ciencia Ficción de Frank Herbert, dirigida por el chileno Alejandro Jodorowsky y escrita por Dan O’Bannon (Alien), con ilustraciones conceptuales de H.R. Giger, Rob Cobb y Moebius es lamentablemente uno de ellos.

A continuación la quinta galería de este conjunto de compendios gráficos con el trabajo de Moebius para el Cine. Mañana aparece la última galería, de una película donde un taxista del futuro se encuentra con una mujer muy especial…

• Galería 1: TRON (1982)
• Galería 2: WILLOW (1988)
• Galería 3: ALIEN (1979)
• Galería 4: THE ABYSS (1989)

GALERIA

Criaturas Extraordinarias

[ por: Andrés Daly ]

No tengo ninguna duda que James Cameron, nuestro Méliès moderno, es uno de los grandes narradores del cine, de los pocos capaces de llevarnos a un mundo fantástico por descubrir. El lecho submarino, el espacio,  un barco condenado, el futuro post apocalíptico, un planetoide infectado, da igual.  Hasta el más escéptico espectador no puede negar la fuerza de sus narraciones, por simples que sus tramas puedan parecer. Es que las imágenes, las sensaciones y la adrenalina lo acompañan a uno -al menos a mí- por años, después de los primeros e inolvidables visionados. El cine de Cameron se apodera de cada centímetros de la pantalla grande.

Con dos de las películas más taquilleras de la historia a su haber, sus largometrajes pasan de la más absoluta fascinación popular al extraño desprecio masivo de los mismos espectadores años después; de la rendición de la crítica ante su ojo perfeccionista, su manejo de la acción y la fantasía, de sus temáticas globales escogidas con bastante astucia y su pocas veces superado sentido del gran espectáculo cinematográfico, a la crítica implacable cuando el tiempo transcurre. Esa crítica, por lo además, que busca alejarse también del gusto popular. Es que algo tan popular no puede ser buen cine, se dicen, frunciendo el ceño. Un gran error, en este caso. Una de sus grandes películas y que en pocos días más se reestrena, Titanic, lo demuestra, y en El mundo sin Brando vamos a hacer una larga defensa de ella, por lo que no me voy a extender más aquí.

Cameron, el submarinista

De una ambición y vehemencia ilimitada para tomar proyectos imposibles, con obras de ciencia ficción tan logradas como Terminator, Aliens, Terminator 2: El Juicio Final y la más reciente Avatar, Cameron hizo otra gran película en 1989 y se llama The Abyss (El Secreto del Abismo). Moebius vuelve entonces a las páginas de 35milímetros hoy con una cuarta galería de dibujos para el cine, con sus maravillosas ilustraciones conceptuales de los alienígenas que en el fondo del mar se ocultan y que se nos revelan sólo al final del largometraje de Cameron protagonizado por Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio. Extrañas figuras, similares a insectos gigantes.

Seres pacíficos, lumínicos, majestuosos, en el siempre creativo lápiz del señor Moebius.

Mañana, un mundo desértico donde esperan la llegada de un profeta…

Las Galerías publicadas en los días pasados:

• Galería 1: TRON (1982)
• Galería 2: WILLOW (1988)
• Galería 3: ALIEN (1979)

GALERIA

De Arrakis al Nostromo

[ por: Andrés Daly ]

Luego de que cayera estrepitosamente el proyecto de Alejandro Jodorowsky sobre DUNE (que luego hiciera David Lynch años después en 1984, muy para su pesar hoy), los artistas Ron Cobb (al que le dedicamos este post hace dos años), Chris Moss, H.R.Giger y el propio Moebius pasaron del planeta desértico de Arrakis al desolador terror en el espacio, propuesto por la impecable película Alien (1979) escrita por Dan O’Bannon y dirigida por un entonces soberbio Ridley Scott.

Aunque H.R. Giger “se robó la película” con su inspirado diseño de la criatura alienígena y los biotecnológicos-orgánicos-cavernosos-orgánicos-sexuales espacios interiores que los pobres astronautas del Nostromo tienen la mala idea de visitar es innegable que los diseños de Moebius impregnan la película a través del original diseño de los trajes espaciales de la tripulación.

A continuación, la tercera galería dedicada a Moebius y sus obras relacionadas al cine, y mañana domingo, una nueva galería sobre un inesperado descubrimiento bajo el mar…

• Galería 1: TRON (1982)
• Galería 2: WILLOW (1988)

GALERIA